"Sufragistas", de Sarah Gavron

Título original: Suffragette
Año: 2015
Duración: 106 min.
País Reino Unido
Director: Sarah Gavron
Guión: Abi Morgan
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Eduard Grau
Reparto: Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Meryl Streep, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson, Ben Whishaw, Romola Garai, Samuel West, Geoff Bell, Natalie Press,Lee Nicholas Harris, Richard Banks, Adrian Schiller, Judit Novotnik, Morgan Watkins
Productora: Film4 / Pathé / Ruby Films
Género: Drama | Histórico. Política.

Sinopsis:

El movimiento sufragista nació en Inglaterra en vísperas de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). La mayoría de las sufragistas no procedían de las clases altas, sino que eran obreras que veían impotentes cómo sus protestas pacíficas no servían para nada. Entonces se radicalizaron y, en su incansable lucha por conseguir la igualdad, se arriesgaron a perderlo todo: su trabajo, su casa, sus hijos y su vida. La protagonista es Maud (Carey Mulligan), una mujer que reivindicó denodadamente la dignidad de las mujeres. 

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La película como tal me ha resultado un poco "coja" porque cuenta una historia que me ha interesado muchísimo pero a veces parece más un documental que una película, mostrando muchas cosas pero algo superficialmente: la situación de las mujeres trabajadoras en la Inglaterra de principios del siglo XX, la renuncia a la familia de muchas mujeres que se implicaron en la lucha activa, el poco o ningún apoyo de sus maridos, la estigmatización social que sufrían, los abusos del Gobierno y de la policía...

El personaje más redondo es el de la protagonista, de la que sí tenemos más datos y sabemos más de su vida y sentimientos. El resto quizás se limita demasiado a muchas pinceladas, eso sí, con escenas muy dramáticas, como los arrestos y malos tratos por la policía, la situación en la cárcel, la muerte en las carreras...

Con todo, me impactaron la película y la historia, ver en primer plano la lucha de esas mujeres para conseguir algo que hoy damos por supuesto y a veces ni siquiera valoramos (se oye tanto hablar de la inutilidad de votar, la democracia está tan desprestigiada...). Si os interesa el tema y os quedan ganas de saber más podéis leer algunos artículos interesantes sobre sufragistas en general y Emmeline de Pankhurst en particular, por ejemplo en El Mundo. 

"La novia", de Paula Ortiz

Película: La novia. 

Dirección: Paula Ortiz. 

País: España. 

Año: 2015.

Duración: 96 min. 

Género: Drama, romance. 

Interpretación: Inma Cuesta, Álex García, Asier Etxeandía, Leticia Dolera, Manuela Vellés, Luisa Gavasa, Carlos Novoa. Guion: Paula Ortiz y Javier García Arredondo; basada libremente en la obra “Bodas de sangre”, de Federico García Lorca.

Música: Shigeru Umebayashi. 

Distribuidora: Betta Pictures. 

Estreno en España: 11 Diciembre 2015.

Sinopsis:

Dos hombres, una mujer, un amor, un deseo más fuerte que la ley y que la naturaleza salvaje del mundo que les rodea. Leonardo, el novio y la novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y la novia tienen un hilo invisible, feroz, imposible de romper… Pasan los años y ella, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con el novio en medio del desierto blanco, de tierras salinas y yermas, donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una mendiga anciana que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de la novia.

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Poesía pura, eso es esta película. Y es increíble cómo a pesar de que sabes desde el principio lo que va a pasar (aunque no hayas leído/visto "Bodas de sangre" solo leyendo la sinopsis de "La novia" y contrastando con el título de la obra de Lorca está claro que una comedia no va a ser, ¿no?) te mantiene enganchado desde el minuto primero.

Imágenes, texto y música se trenzan y forman un tejido que te envuelve. No es solo cine, no es contar una historia, es algo más, es pura belleza. No exagero. Seis premios Feroz de momento y esperad a los Goya, porque si Luisa Gabasa (la madre del novio) no gana el Goya a la mejor actriz de reparto es que no hay justicia.

"El desafío: Frost contra Nixon", de Ron Howard

Dirección: Ron Howard.

Países: USA y Reino Unido.

Año: 2008.

Duración: 122 min.

Género: drama.

Interpretación: Frank Langella (Richard Nixon), Michael Sheen (David Frost), Kevin Bacon (Jack Brennan), Sam Rockwell (James Reston Jr.), Oliver Platt (Bob Zelnick), Rebecca Hall (Caroline Cushing), Matthew Macfadyen (John Birt), Toby Jones (Swifty Lazar).

Guión: Peter Morgan; basado en su obra.

Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Brian Grazer y Ron Howard.

Música: Hans Zimmer.

Fotografía: Salvatore Totino.

Montaje: Dan Hanley y Mike Hill.

Diseño de producción: Michael Corenblith.

Vestuario: Daniel Orlandi.

Estreno en USA: 5 Diciembre 2008.

Estreno en España: 6 Febrero 2009.

Sinopsis:

En los tres años siguientes a verse obligado a dejar la Casa Blanca, Nixon (Frank Langella) permaneció en silencio. Sin embargo, en el verano de 1977, el astuto y frío ex presidente aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia. Nixon sorprendió a todos al escoger a David Frost (Michael Sheen) como confesor televisivo, seguro de que podría con el alegre presentador británico y se ganaría los corazones y las mentes de los estadounidenses. El equipo de Frost no estaba seguro de que el periodista fuera capaz de llevar a Nixon adonde quería. Pero en cuanto empezaron a rodar, la batalla comenzó. ¿Podría Nixon eludir las preguntas acerca de su papel en una de las mayores vergüenzas sufridas por la nación? ¿Exigiría Frost respuestas claras del hombre que llegó al poder por ser el maestro de la evasiva? Durante la entrevista, cada uno revela sus inseguridades, personalidad e inesperadas reservas de dignidad, para llegar por fin a una asombrosa exhibición de sinceridad. La película no sólo recrea la entrevista televisada, sino las semanas precedentes de negociaciones y maniobras entre los dos hombres y sus equipos, en las que se llegó a acuerdos y se revelaron secretos, hasta el momento cumbre en que ambos se sentaron ante la opinión pública.

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Pues poco más puedo añadir a la sinopsis que he tomado de la web de labutaca.net, en la que también podéis encontrar información de cómo se hizo la película, refiriéndose a cómo se creo la obra de teatro del también guionista de la película, Peter Morgan, cómo se convirtió en película y qué aspectos se planteó el autor analizar y mostrar al público,  no tanto una recreación exacta de lo que sucedió (quién dijo qué, cuándo y cómo), sino unas ideas de fondo claras: la enorme importancia del periodismo y especialmente de la televisión en el mundo político desde la segunda mitad del siglo XX, el duelo de personalidades que se planteó en las famosas entrevistas de Frost y Nixon, la ambigüedad y dualidad de los personajes (no podemos dejar de sentir pena en algunos momentos por el anciano presidente, confuso y derrotado, aunque en otros queda patente su arrogancia y ansia de poder, del mismo modo que advertimos que bajo su apariencia de jovialidad y superficialidad, Frost no es tan inofensivo como parecía).

Documental ficcionado o ficción documental, la película muestra los entresijos de la generación de los famosos programas de entrevistas y nos van preparando hacia el momento final. Sabemos que Frost consiguió dejar en evidencia a Nixon delante de 45 millones de espectadores y, no obstante, el guión y los actores (y todo el fantástico equipo técnico y artístico) consiguen conducirnos espectantes hacia ese momento final, testigos de un combate entre equipos y, sobre todo, personalidades, que no podemos dejar de mirar.

Si sois de películas de acción sin más esta no es vuestra película, evidentemente; ahora bien, si disfrutáis con una buena interpretación y una historia que no solo os cuente, con mayor o menor subjetividad, momentos clave de nuestra historia, sino que además os haga reflexionar sobre temas muy actuales (política, honradez, periodismo, denuncia...), seguro que os gustará.

Por último, os aconsejo refrescar vuestros conocimientos del caso Watergate antes de empezar a ver la película. Podéis imaginaros que hay una cantidad de información ingente en la red al respecto, pero con un vistazo a wikipedia os bastará para poneros al día y no perderos en ningún momento.

"Calvary", de John Michael McDonagh

Película: Calvary.

Dirección y guion: John Michael McDonagh.

Países: Irlanda y Reino Unido. 

Año: 2014. 

Duración: 100 min. 

Género: Comedia negra, drama 

Interpretación: Brendan Gleeson (padre James), Chris O’Dowd (Jack), Kelly Reilly (Fiona), Aidan Gillen, Dylan Moran, Isaach De Bankolé, M. Emmet Walsh.

Producción: Chris Clark, Flora Fernández Marengo y James Flynn.

Música: Patrick Cassidy. 

Fotografía: Larry Smith. 

Montaje: Chris Gill.

Diseño de producción: Mark Geraghty. 

Vestuario: Eimer Ni Mhaoldomhnaigh. 

Distribuidora: Hispano Foxfilm. 

Estreno en España: 6 Marzo 2015.

No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:

Calvary se centra en la vida del padre James Lavelle (Brendan Gleeson, El irlandés), un hombre dispuesto a que el mundo sea un lugar mejor. El sacerdote está sorprendido por la cantidad de confrontaciones que hay en su pequeño pueblo, le entristece que sus habitantes sean tan rencorosos. Cuando está tomando confesión recibe una amenaza, y el religioso empieza a ser atormentado por los miembros de su parroquia.

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¿Comedia negra, dicen? A mí no me ha hecho precisamente gracia. Sí que tiene algún toque de humor muy negro, pero la sensación final es de total devastación; eso sí, también de haber presenciado algo fuera de lo corriente y que merece la pena.

Los paisajes de una Irlanda rural, gris y húmeda, son un personaje más de este drama con toques de humor negro en el que vamos acompañando al Padre Lavelle conforme va visitando a unos feligreses a cual más miserable, la verdad. Pocos se salvan de una disección despiadada que nos muestra almas oscuras y aparentemente poco merecedoras de compasión. Si quitamos al anciano que no tiene ningún deseo de seguir viviendo y a la hija que el sacerdote tuvo antes  de quedarse viudo y abrazar el sacerdocio, el resto de los personajes no despiertan precisamente nuestra simpatía y nos hacen preguntarnos "¿por qué este hombre parece verdaderamente convencido de que debe seguir sirviendo a sus hermanos? ¿merece ese esfuerzo la pena?". Lo cierto es que de lo más hondo nos sale respondernos que no y asistimos atónitos a la manera consciente y consecuente con la que el protagonista se enfrenta a su destino.

No es una película amable y resulta difícil llegar al final sin sentirte revuelto por dentro, pero seguro que no os deja indiferentes. Huye de clichés y de buenismos y plantea con crudeza temas como la sexualidad, la hipocresía, la vocación, el amor, el odio... Para pensar. Muy recomendable.

"The imitation game" ("Descifrando Enigma"), de Morten Tyldum

Película: The imitation game (Descifrando Enigma). 

Dirección: Morten Tyldum.

Países: Reino Unido y USA. 

Año: 2014. 

Duración: 114 min. 

Género: Biopic, drama, thriller. 

Interpretación: Benedict Cumberbatch (Alan Turing), Keira Knightley (Joan), Matthew Goode (Hugh), Mark Strong (Stewart), Allen Leech (John), Charles Dance (Denniston), Rory Kinnear (detective Robert). 

Guion: Graham Moore. 

Producción: Nora Grossman, Ido Ostrowsky y Teddy Schwarzman. 

Música: Alexandre Desplat. 

Fotografía: Óscar Faura. 

Montaje: William Goldenberg. 

Diseño de producción: Maria Djurkovic.

Vestuario: Sammy Sheldon Differ. 

Distribuidora: Tripictures. 

Estreno en España: 1 Enero 2015. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis:

Durante el invierno de 1952, las autoridades británicas entraron en el hogar del matemático, analista y héroe de guerra Alan Turing, con la intención de investigar la denuncia de un robo. Al final acabaron arrestando a Turing acusándole de “indecencia grave”, un cargo que le supondría una devastadora condena por una ofensa criminal: ser homosexual. Los oficiales no tenían ni idea de que en realidad estaban incriminando al pionero de la informática actual. Liderando a un heterogéneo grupo de académicos, lingüistas, campeones de ajedrez y oficiales de inteligencia, se le conoce por haber descifrado el código de la inquebrantable máquina Enigma de los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial.

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Espléndida actuación de Benedict Cumberbatch (muchos dicen que merecedora de un Óscar) y muy emocionante relato de un momento histórico y de una vida marcada por el dolor y la conciencia de ser distinto y no aceptado. Algunos la acusan de pasar muy de puntillas por los aspectos más polémicos de la vida de Alan Turing y resultar un relato demasiado amable y centrado en lo más efectista... A mí sí que me ha resultado emocionante y creo que la película acierta en sugerir más que en mostrar descarnadamente el dolor de una vida diferente a la de la mayoría y consciente de ser casi único, la soledad constante y la injusticia del no reconocimiento de los méritos extraordinarios de una persona. El suicidio de Turing, especialmente dramático pues comió una manzana envenenada, solo se nos cuenta, pero toda la película anterior  se ha centrado tanto en él como en su gran logro personal, el desciframiento de Enigma y el gran avance en la construcción de una máquina "pensante", precursora de los ordenadores actuales. 

No conocía nada de la historia de este hombre y sabía de Enigma lo poco que había escuchado en algún relato sobre la Segunda Guerra Mundial, pero muy superficialmente. La película me ha servido para recuperar una parte de la historia del siglo XX desde una perspectiva diferente y creo que eso está muy bien conseguido: las escenas de la guerra son escasas, pero  bien dosificadas y combinadas con las escenas del sufrimiento de los civiles en las ciudades bombardeadas.  Se nos plantean también sobriamente pero con efecto los dilemas morales que  tuvieron que enfrentar quienes luchaban por ganar la guerra, las decisiones difíciles que tuvieron que afrontar, los entramados de espionaje existentes y tan fundamentales o más que las batallas propiamente dichas... Podrás estar de acuerdo o no con lo que hicieron, pero esa no es la cuestión, la cuestión es entender los múltiples aspectos, el trabajo, las decisiones, las luchas y los fracasos que hay detrás de los hechos que hoy leemos como acontecimientos históricos recogidos en los libros de historias, pero que implicaron a muchas personas de carne y hueso y cambiaron para siempre sus vidas. Seguramente muchos esperaban más y tendrán razón si consideran que el resultado es mejorable, pero a mí me ha sugerido mucho, me ha hecho pensar y, sobre todo, me ha entretenido.

Como curiosidad os cuento que dicen que Steve Jacobs eligió su logo de la manzana y la marca Apple para su empresa en homenaje a Alan Turing, precursor de la informática. Probablemente es una leyenda sin fundamento, pero pensar en ello es una pequeña forma de hacer justicia a la memoria de un hombre que hizo mucho y que no recibió ningún reconocimiento en vida por ello. Resulta patético descubrir que no recibió un indulto póstumo hasta 2013.

Muy recomendable.

"La venus de las pieles", de Roman Polanski

Título original: La Vénus à la fourrure. 

Título internacional: Venus in fur. 

Dirección: Roman Polanski. 

País: Francia. Año: 2013. 

Duración: 96 min. 

Género: Drama. 

Interpretación: Emmanuelle Seigner (Vanda), Mathieu Amalric (Thomas).

Guion: Roman Polanski y David Ives, basado en la obra de David Ives. 

Producción: Robert Benmussa y Alain Sarde. 

Música: Alexandre Desplat. 

Fotografía: Pawel Edelman.

Montaje: Margot Meynier y Hervé de Luze. 

Diseño de producción: Jean Rabasse. 

Vestuario: Dinah Collin. 

Distribuidora: Wanda Visión. 

Estreno en España: 31 Enero 2014. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:

En un teatro parisino, después de un duro día de audiciones para el papel del nuevo proyecto, Thomas se lamenta al teléfono por el poco empeño e interés que han mostrado los candidatos que se han presentado. Nadie tiene el nivel necesario para asumir el liderazgo del reparto y Thomas se está preparando para salir cuando aparece Vanda, un torbellino de energía desenfrenada y descarada. Vanda tiene todo lo que odia Thomas. Es vulgar, sin cerebro y no se detendrá ante nada hasta conseguir el papel. Thomas le da una oportunidad para mostrar su talento y Vanda le sorprende con una increíble metamorfosis. Provista de accesorios y disfraces, entiende a la perfección el personaje y ha memorizado cada línea del guion. Mientras la prueba se alarga, la intensidad entre ellos se incrementa y la atracción se convierte en una obsesión para el joven.

Trailer

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La última película de Polanski está basada en la obra de teatro ‘La Venus de las pieles’ del dramaturgo David Ives, que ha colaborado en el guión con Polanski. A su vez, la obra de teatro está inspirada en la novela del mismo título escrita en 1870 por el austriaco Leopold von Sacher-Masoch. y que relata la historia de Severin von Kusiemski y su relación con Wanda von Dunajew, La novela que fue un escándalo en su día por reflejar en ella una relación de dominación - sumisión sexual con todo lujo de detalles. Su adaptación teatral incluyó un nuevo punto de vista, entrelazando ficción y realidad y llevando la exploración de las relaciones de dominio-sumisión más allá del sexo.

Es este aspecto explorado en la obra teatral el que interesó a Roman Polanski. La relación de Thomas y Vanda comienza como una simple audición de la obra y sigue con un ensayo de prácticamente todo el texto conforme el autor va quedando fascinado por la interpretación que esa actriz en apariencia vulgar y más estrafalaria que sofisticada va creando del personaje. Realidad y ficción van entrelazándose de tal manera que llega un momento en que al espectador le cuesta distinguir los diálogos que se producen entre los personajes "reales" (el director y la actriz) y los teatrales (los personajes Severin y Wanda).

Con un tono que no abandona el humor hasta sus escenas finales, asistimos a unos diálogos que nos plantean la complejidad de las relaciones de dominio y sumisión a través de dos únicos personajes que nos muestran ese aspecto del comportamiento humano en diversas facetas: sexualidad, sí, pero también relaciones de poder tipo director-actor, hombres-mujeres... El texto tiene muchas capas.

Lo mejor para mí, una interpretación extraordinaria que ha conseguido que sus actores hayan sido nominados a los premios César en Francia, así como un manejo de la cámara que mantiene la atención del espectador en todo momento. 

Como curiosidad, sabed que el apellido del autor austriaco (Masoch) dio origen al término masoquismo y que hoy se sabe que su relación sexual-sentimental con Fanny von Pistor fue la que inspiró su novela; con esa señorita firmó un contrato por el que se comprometía a ser su esclavo y satisfacer todos sus deseos durante un periodo de seis meses.

"La llave de Sarah", de Gilles Paquet-Brenner

Título original: Elle s’appelait Sarah. 

Dirección: Gilles Paquet-Brenner. 

País: Francia. 

Año: 2010. 

Duración: 111 min. 

Género: Drama. 

Interpretación: Kristin Scott Thomas (Julia Jarmond), Mélusine Mayance (Sarah), Niels Arestrup (Jules), Frédéric Pierrot (Bertrand), Michel Duchaussoy (Edouard), Dominique Frot (Genneviève), Gisèle Casadesus (Mamé), Aidan Quinn (William). 

Guion: Joncour y Gilles Pquet-Brenner; basado en la novela de Tatiana de Rosnay. 

Producción: Stéphane Marsil. 

Música: Max Richter.Fotografía: Pascal Ridao. 

Montaje: Hervé Schneid. 

Diseño de producción: Françoise Dupertuis. 

Vestuario: Eric Perron. 

Distribuidora: Emon. 

Estreno en Francia: 13 Octubre 2010.

Estreno en España: 29 Diciembre 2010. 

No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis:

París, julio de 1942: la policía francesa se lleva a Sarah, una niña de 10 años, y a toda su familia en una redada puerta por puerta en la que arrestan a multitud de familias judías en plena noche. Desesperada por proteger a su hermano pequeño, Sarah lo encierra en un armario del dormitorio, su pequeño escondite secreto, y le promete volver en cuanto les liberen. Sesenta y siete años más tarde, la historia de Sarah se mezcla con la de Julia Jarmond, una periodista estadounidense que busca información sobre aquella redada. Durante su investigación, Julia descubre un rastro de secretos que ligan la vida de Sarah a la suya, y la llenan de preguntas sobre su propio futuro.

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Me quedé con las ganas de ver esta película cuando la estrenaron en los cines españoles y ayer aproveché que la ponían en televisión para verla. 

Me resultó sencilla y emocionante. No sé si es una gran película, puede que no, pero a mí me llegó al corazón. Me ha sorprendido leer algunas críticas muy negativas que la acusan precisamente de recurrir a las emociones como un truco barato para denunciar el holocausto. Yo no considero que eso haya sido un recurso fácil y me parece que emocionar de verdad no es tan sencillo.

La historia tiene además el aliciente de tratar un tema en relación con el holocausto judío mucho menos "aireado" que el de la actuación directa de los nazis: la actitud del gobierno francés colaboracionista y la permisividad de muchos de los ciudadanos franceses ante las medidas tomadas contra los judíos y demás "enemigos" del nazismo. Sin duda Francia tiene todavía mucho que revisar en este aspecto.

Es cierto que la película "cojea" en algunos momentos y que no siempre llegamos a entender la actitud de la periodista que se empeña en la investigación, pero considero que sí se transmite que lo que predomina es más sus sentimientos que su razón y que su búsqueda de Sarah está ligada a una búsqueda de sí misma y de lo que quiere en la vida. En este sentido, la actuación de Kristin Scott Thomas me parece impecable.

En definitiva, una película dulce y amarga que me hizo disfrutar un buen rato y eso no se puede decir de mucho cine. Me han quedado ganas también de leer el libro de Tatiana de Rosnay en el que se basa, aunque tengo tanto pendiente que no sé si le llegará el turno.

"Gravity", de Alfonso Cuarón

Película: Gravity.
Dirección: Alfonso Cuarón.
País: USA.
Año: 2013.
Duración: 90 min.
Género: Drama, aventuras
Interpretación: Sandra Bullock (Dra. Ryan Stone), George Clooney (Matt Kowalsky).
Guion:Alfonso Cuarón y Jonás Cuarón.
Producción: Alfonso Cuarón y David Heyman.
Música: Steven Price.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Montaje: Mark Sanger y Alfonso Cuarón.
Diseño de producción: Andy Nicholson.
Vestuario: Jany Temime.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en USA: 4 Octubre 2013.
Estreno en España: 4 Octubre 2013.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis:

Durante un paseo espacial fuera de su nave reparando un satélite, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Una es la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera que está en su primera misión espacial. Su acompañante es el veterano astronauta Matt Kowalsky. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y ocurre el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra

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Película que inauguró el festival de Venecia fuera de concurso y que no puedo dejar de recomendar pese a mi reticencia inicial a verla. Las críticas eran tan buenas que abandoné mis prejuicios contra las películas comercializadas en 3D, que tenía catalogadas hasta ahora como puro espectáculo vacío. No es que tenga nada contra el espectáculo, pero sí contra sus precios, sobre todo cuando hay que pagar varias entradas... El caso es que las críticas de "Gravity" la destacaban como película bien hecha y cine del bueno y estoy de acuerdo con ellas. Sandra Bullock y el espacio exterior llenan la pantalla y nos mantienen pegados al asiento inmersos en la inmensidad espacial, abrumados por la pequeñez del ser humano, fascinados por lo que se desarrolla ante nuestros ojos y también emocionados por la lucha del personaje por superar sus miedos y recuperar el rumbo, no sólo el que le llevará de vuelta al planeta, sino también el de su propia vida.

No os la perdáis. Aquí tenéis algunos trailers y entrevistas a los actores y al director en labutaca.net.

"La mejor oferta", de Giuseppe Tornatore

Título original: La migliore offerta.
Dirección y guion: Giuseppe Tornatore.
País: Italia.
Año: 2013.
Duración: 124 min.
Género: Drama, romance.
Interpretación: Geoffrey Rush (Virgil), Jim Sturgess (Robert), Donald Sutherland (Billy),Sylvia Hoeks (Claire), Liya Kebede (Sarah).
Producción: Isabella Cocuzza y Arturo Paglia.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Fabio Zamarion.
Montaje: Massimo Quaglia.
Diseño de producción: Maurizio Sabatini.
Vestuario: Maurizio Millenotti.
Distribuidora: Filmax.
Estreno en Italia: 1 Enero 2013.
Estreno en España: 5 Julio 2013.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: 

Virgil Oldman (Geoffrey Rush) es un hombre solitario; un excéntrico experto en arte y agente de subastas, muy apreciado y conocido en todo el mundo. Su vida transcurre al margen de cualquier sentimiento afectivo hasta que conoce a una hermosa y misteriosa joven (Sylvia Hoeks) que le encarga tasar y vender las obras de arte heredadas de sus padres. La aparición de esta joven, que sufre de una extraña enfermedad psicológica que la mantiene aislada del mundo, transformará para siempre la vida de Virgil.

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Película muy entretenida, con un maravilloso Geoffrey Rush que sostiene el peso de la historia con su excelente actuación. Se trata de un thriller psicológico que gira en torno a un subastador y experto en arte que vive encerrado en sí mismo, en sus manías y obsesiones y que no se relaciona afectivamente con nadie hasta que conoce a una joven que vive encerrada hace años en su casa. Su obsesión por la joven y su afán por ayudarla le transforman y le hacen salir de sí mismo, tener amigos y amor y desear retirarse... Y hasta ahí puedo leer...

Acusan a Tornatore de no poder evitar ponerse sentimentaloide; a mí no me lo parece tanto. Desde luego, la historia no es de las de "y vivieron felices y comieron perdices". Cierto que su mirada hacia el protagonista es más bien de simpatía y compasión, y a pesar de que al principio de la historia nos parece un tanto "capullo" no podemos evitar sentir lástima de él conforme avanza la historia y desearle lo mejor. Por lo demás, creo que lo importante es que el guión está bien trazado, que la historia es convincente, que la atmósfera está muy lograda y que el resultado es bastante bueno. Yo, al menos, lo he disfrutado.

"Grupo 7", de Alberto Rodríguez

Película: Grupo 7.
Dirección: Alberto Rodríguez.
País: España.
Duración: 95 min.
Género: Acción, thriller, policiaco, drama.
Interpretación: Antonio de la Torre (Rafael), Mario Casas (Ángel), Inma Cuesta (Elena), José Manuel Poga (Miguel), Joaquín Núñez (Mateo), Julián Villagrán (Joaquín), Estefanía de los Santos (La Caoba), Alfonso Sánchez (Amador), Carlos Olalla (don Julián), Lucía Guerrero (Lucía).
Guion: Rafael Cobos.
Producción: José Antonio Félez y Gervasio Iglesias.
Música: Julio de la Rosa.
Fotografía: Alex Catalán.
Montaje: José M.G. Moyano.
Dirección artística: Pepe Domínguez.
Vestuario: Fernando García.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en España: 4 Abril 2012.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:

“Grupo 7″ es una película policiaca de acción e intrigas criminales, de persecuciones y arrestos, pero también un drama de lealtades y mentiras de un grupo de hombres arrogantes y desvalidos, vulnerables y violentos. El grupo lo componen: Ángel, un joven aspirante a inspector, inteligente y compasivo; Rafael, un policía expeditivo, contundente y arrogante; Miguel y Mateo, los socarrones del grupo, capaces de las mayores brutalidades, pero también de inesperadas muestras de ternura. Para el Grupo 7 no existe la delgada línea que separa los recursos poco éticos de los abiertamente ilegales. Su modus operandi: violencia, coacciones, mentiras y medias verdades… todo vale.

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No me ha gustado nada esta película. Bueno, miento, me ha gustado la interpretación de Antonio de la Torre, Julián Villagrán (merecido Goya 2013 como actor de reparto) y Joaquín Núñez (otro Goya, éste al mejor actor revelación). Por lo demás, la historia en sí me ha resultado aburrida y de lo más previsible: sucesión de actos violentos diversos de un grupo de policías en la Sevilla previa a la Expo'92 en caída libre hacia una actuación cada vez más allá de los límites de la legalidad, policía bueno que se endurece y corrompe frente al policía duro que se humaniza poco a poco, protagonistas con debilidades y traumas y ningún misterio que resolver.

Hay una mínima trama, desde luego: el grupo se va radicalizando e implicándose con una traficante, utilizándola para conseguir logros policiales, va siendo investigado por anti-corrupción y, al mismo tiempo, perseguido por otro traficante y sus secuaces, pero todo ello se nos cuenta a través de una sucesión de escenas de violencia y diálogos con más sobreentendidos que explicaciones claras, mezcladas con pequeñas escenas de la vida cotidiana de los protagonistas que te despistan más que otra cosa y que, en definitiva, te obligan a extremar la atención al máximo pensando "me he perdido algo, ¿qué ha dicho?, ¿cómo ha llegado hasta aquí?". 

Y -abstenerse de seguir leyendo quien no quiera saber nada del final de la película- todo acaba fatal, pero sin mucha emoción, o al menos a mí no me ha parecido emocionante (porque que iba a acabar fatal ya se veía venir, pero eso no me hace considerar una película buena o mala o influir en que me guste o no). Simplemente, me ha dejado fría.

"Las nieves del Kilimanjaro", de Robert Guédiguian

Título original: Les neiges du Kilimanjaro. 

Dirección: Robert Guédiguian. 

País: Francia. 

Año: 2011.

Duración: 107 min. 

Género: Drama.

Interpretación: Ariane Ascaride (Marie-Claire), Jean-Pierre Darroussin (Michel), Gérard Meylan (Raoul), Marilyne Canto (Denise), Grégoire Leprince-Ringuet (Christophe), Anaïs Demoustier (Flo), Adrien Jolivet (Cilles). 

Guion: Robert Guédiguian y Jean-Louis Milesi; inspirado en el poema “La gente pobre”, de Victor Hugo. 

Fotografía: Pierre Milon. 

Montaje: Bernard Sasia. 

Diseño de producción: Michel Vandestien. 

Vestuario: Juliette Chanaud.Distribuidora: Golem. 

Estreno en Francia: 16 Noviembre 2011. 

Estreno en España: 27 Abril 2012.

Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis:

A pesar de haberse quedado sin trabajo, Michel es feliz con Marie-Claire. Hace 30 años que se aman. Sus hijos y sus nietos les miman. Tienen muy buenos amigos. Se enorgullecen de sus luchas políticas y sindicales. Sus conciencias son tan transparentes como sus miradas. Pero su felicidad se hará pedazos cuando dos hombres armados y enmascarados les agreden, les arrebatan los anillos de boda y huyen con las tarjetas de crédito.

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Para los que no lo sepan, aviso de que esta película no tiene ninguna relación con la novela homónima de Ernest Hemingway, llevada al cine en 1952 por Henry King (aunque alguna crítica quiere ver un simbolismo en el final), sino que debe su título a la canción francesa de Pascal Danel, con letra de Michel Delancray -"Les neiges du Kilimandjaro", de 1966, que se escucha en un momento bastante inicial de la película y que tiene relación con la historia de los protagonistas.

Se trata de un drama social de mirada, pese a todo, optimista, y que nos traslada a una Marsella obrera y popular. Sus personajes, llenos de verosimilitud y cercanía, nos transmiten un mensaje de compromiso y no resignación con la dura realidad que a muchos, casi todos en alguna medida, nos toca vivir hoy en día.

La película, con ese ritmo pausado tan francés y una mirada que se detiene con cariño en todos los personajes, nos permite comprender, incluso aunque no todos nos gusten -e incluso podamos encontrarlos detestables (esa madre que abandona a sus hijos buscando desesperadamente un hombre que le haga caso...)-, a todos los protagonistas y secundarios de esta historia realista de una pareja de veteranos luchadores sociales que se replantean en su madurez sus valores, su coherencia y compromiso, y acaban aceptando sus pequeñas debilidades -que algunos consideran aburguesamiento-, pero optando también por ser fieles a sí mismos y buscar una forma de vida que consideran más feliz y también más justa.

Múltiples temas nos plantean casi todas las escenas de la película, algunos simplemente eso, planteados para que cada uno demos nuestra respuesta o simplemente pensemos, ese ejercicio a veces no muy habitual en nuestro mundo: la pareja, el desencuentro generacional, lo legal vs lo justo, el sentido de la lucha sindical en el nuevo siglo, el compromiso, la coherencia entre vida e ideas... 

Si estáis buscando cine de acción y evasión, pasad de esta película, desde luego, pero si os apetece una historia con personajes positivos y que no dejan indiferente, os la recomiendo.

Para quienes quieran saber un poco más sobre la película, os dejo el enlace a una entrevista al director. En él podréis leer cuál fue la inspiración de la historia, especialmente de su final, basado en un poema de Víctor Hugo titulado "La gente pobre", que podéis leer aquí (está traducido al final), aunque si vais a ver la película, casi os recomendaría no leer el artículo ni el poema hasta el final. De todos modos, la forma en que se nos narra la historia y nos va conduciendo hasta un final que intuimos ya antes, no deja de ser una delicia, así que os aseguro que podréis disfrutar de la historia aunque sepáis o intuyáis el final.

"En la casa", de François Ozon

Título original: "Dans la maison".

Dirección: François Ozon. 

País: Francia. 

Año: 2012. 

Duración: 105 min. 

Género: Drama,comedia, thriller. 

Interpretación: Fabrice Luchini (Germain), Ernst Umhauer(Claude), Kristin Scott Thomas (Jeanne), Emmanuelle Seigner (Esther), Denis Ménochet (Rapha padre), Bastien Ughetto (Rapha hijo), Jean-François Balmer (director), Yolande Moreau (gemelas), Catherine Davenier (Anouk). 

Guion:François Ozon; adaptación libre de la obra de teatro “El chico de la última fila”, de Juan Mayorga. 

Producción: Eric Altmeyer y Nicolas Altmeyer.

Música: Philippe Rombi.

Fotografía: Jérôme Alméras. 

Montaje: Laure Gardette. 

Diseño de producción: Arnaud De Moleron. 

Vestuario: Pascaline Chavanne. 

Distribuidora: Golem. 

Estreno en Francia: 10 Octubre 2012. 

Estreno en España: 9 Noviembre 2012.

Sinopsis:

Un veterano profesor y frustrado novelista va sintiendo de forma cada vez más obsesiva e irracional interés por las redacciones de uno de sus alumnos (Ernst Umhauer). El alumno relata diariamente su incursión en la vida familiar de uno de sus compañeros de clase y su relato acaba convirtiéndose en un juego ingenioso en el que la realidad y la ficción se entremezclan hasta confundirse y en el que no se sabe qué oscuras intenciones esconde el joven o hasta dónde llegarán sus maquinaciones.

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"En la casa" ha cosechado numerosos premios - seis nominaciones a los Premios César, incluyendo el de mejor película, Premio FIPRESCI en el Festival de Toronto, Concha de Oro a la mejor película y al mejor guión en el Festival de San Sebastián, y la nominación a la mejor película europea en los Premios Goya -, así que hace tiempo que la tenía en lista de espera. Por fin la he visto el último fin de semana y he de decir que la descripción que había leído de ella - "hipnótica y perturbadora" - le hace justicia.

Me ha gustado mucho el guión y me ha parecido una historia realmente inquietante, pese a que el tono en que está contada en algunos momentos es el de una comedia, tono que de repente pasa a ser el de un thriller o de un drama casi sin  transición. Verdaderamente a veces te ríes y de repente tienes el corazón en un puño, a lo que contribuye tremendamente la mirada de Ernst Umhauer, el actor que encarna al joven protagonista y que realmente te remueve en el asiento y hace que incluso las situaciones más inofensivas y banales te hagan pensar "esto no puede acabar bien".

Tan fundamental como la mirada perturbadora del joven escritor en ciernes es el papel del profesor, que a mí en algún momento me ha recordado a Woody Allen pero llevado al final de la película a un dramatismo que no es propio de Allen.

Buena película, buena historia y buenos actores. No os la perdáis. 

"Las sesiones", de Ben Lewin

 

Título original: The sessions.
Dirección: Ben Lewin.
País: USA. Año: 2012.
Duración: 95 min.
Género: Tragicomedia, drama.
Interpretación: John Hawkes (Mark O’Brien), Helen Hunt (Cheryl), William H. Macy (padre Brendan), Moon Bloodgood (Vera),Annika Marks (Amanda), Rhea Perlman, W. Earl Brown (Rod), Robin Weigert (Susan), Blake Lindsley (Dra. Laura), Ming Lo (Clerk).
Guion: Ben Lewin; inspirado en el artículo “On seeing a sex surrogate”, de Mark O’Brien.
Producción: Judi Levine y Stephen Nemeth.
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Geoffrey Simpson.

Montaje: Lisa Bromwell.
Diseño de producción: John Mott.
Vestuario: Justine Seymour.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.
Estreno en USA: 16 Noviembre 2012.
Estreno en España: 21 Diciembre 2012.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:

Basada en los escritos autobiográficos del periodista y poeta Mark O’Brien, “Las sesiones” cuenta la historia de un hombre confinado en un pulmón artificial que decide, a los 38 años de edad, perder su virginidad con la ayuda de una terapeuta y el asesoramiento de su sacerdote.

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Estupenda comedia independiente ganadora de varios premios en 2012: premio del público en Sundance 2012, premio al mejor reparto en el mismo festival y premio del público en el festival de San Sebastián de ese año.

"Las sesiones" narra desde el humor y la naturalidad un tema nada fácil y que suele ser olvidado por la mayoría: la sexualidad de las personas discapacitadas. La autenticidad de sus personajes, el estupendo trabajo de los actores, protagonistas y secundarios, y un guión que huye de la sensiblería y de la compasión, consiguen hacernos llegar una historia humana y emocionante que nos hace reír a pesar de su dureza. La historia de Mark O'Brien no está exenta de momentos de tristeza, pero la cinta consigue dejarnos un buen sabor de boca.

Muy recomendable. 

"The lovely bones", de Peter Jackson, o "Desde mi cielo", de Alice Sebold

Dirección: Peter Jackson. 

Países: USA, Reino Unido y Nueva Zelanda.

Año: 2009. 

Duración: 139 min. 

Género: Drama, fantástico.

Interpretación: Mark Wahlberg (Jack Salmon), Rachel Weisz (Abigail Salmon), Susan Sarandon (Lynn), Stanley Tucci (George Harvey), Saoirse Ronan (Susie Salmon), Michael Imperioli (Len Fenerman). 

Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens y Peter Jackson; basado en la novela “Desde mi cielo” de Alice Sebold. 

Producción: Carolynne Cunningham, Fran Walsh, Peter Jackson y Aimée Peyronnet. 

Música: Brian Eno. 

Fotografía: Andrew Lesnie. 

Montaje: Jabez Olssen.

Diseño de producción: Naomi Shohan. 

Vestuario: Nancy Steiner. 

Distribuidora: Paramount Pictures Spain. 

Estreno en USA: 11 Diciembre 2009. 

Estreno en España: 26 Febrero 2010. 

No recomendada para menores de 13 años.

Sinopsis:

La película, basada en la novela de Alice Sebold, cuenta la historia de Susie Salmon, una joven que ha sido asesinada y observa a su familia y a su asesino desde el cielo. Susie se debate entre saciar su sed de venganza y el deseo de que su familia se recupere.

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Vi esta película el otro día en televisión y no me resisto a poner aquí una reseña, pero para recomendaros EL LIBRO, la estupenda novela de Alice Sebold que se tradujo al castellano como "Desde mi cielo", con gran acierto a mi modo de ver ("Los huesos adorables" resulta ridículo en español y dejar el título original no me parece apropiado cuando estás traduciendo el contenido).

La película recoge lo fundamental de la historia, pero no llega en ningún momento a emocionar como lo hace la novela porque no logra transmitir ni los sentimientos de Susie desde su cielo, su dolor por lo que le ha sucedido, su deseo de que quien se lo ha hecho lo pague, la pena por cómo lo está viviendo su familia, su alegría por cómo su hermana va haciéndose mayor y viviendo lo que ella no puedo vivir, su experiencia amorosa..., ni tampoco los de su familia, la tragedia que viven sus padres y las dificultades que tienen que superar. 

Sinceramente, lo mejor de la película es Stanley Tucci, el actor que hace de vecino violador y que, sin llegar a construir un "malo" para pasar a la historia del cine, está muy bien en su papel y da realmente miedo; de hecho, fue nominado a un Óscar por su interpretación.

En cualquier caso, no os perdáis el libro, una historia llena de sentimiento, que ofrece una visión del más allá muy diferente de la que podamos tener a través sólo de la tradición religiosa, y que es capaz de combinar con la tragedia más grande, en la que no se regodea en absoluto, la esperanza y el optimismo. Una historia que es algo más que el relato de un crimen y sus consecuencias. 

Aquí os dejo los datos del libro:

Editorial: Mondadori

Año publicación: 2003
Título original: The lovely bones

Traductora: Aurora Echevarría

La autora, Alice Sebold, es una escritora y periodista estadounidense de pasado turbulento (estudios intermitentes, amistades poco recomendables, mucho sexo y drogas) que a los dieciocho años fue víctima de algo monstruoso: en las inmediaciones de su facultad fue brutalmente violada por un desconocido al que ella misma lograría identificar (provocando su detención) meses después.

Su primer libro fue inspirado por estos hechos y para él eligió el título de Lucky, "afortunada", ya que el policía que la atendió tras el suceso le dijo que podía haber muerto, y que después de todo era una chica con suerte...

"Revolutionary Road", de Sam Mendes

Dirección: Sam Mendes.

Países: USA y Reino Unido.

Año: 2008.

Duración: 119 min.

Género: Drama.

Interpretación: Leonardo DiCaprio (Frank Wheeler), Kate Winslet (April Wheeler), Michael Shannon (John Givings), Kathryn Hahn (Milly Campbell), David Harbour (Shep Campbell), Kathy Bates (Helen Givings), Zoe Kazan (Maureen Grube), Dylan Baker (Jack Ordway), Richard Easton (Howard), Jay O. Sanders (Bart Pollock).

Guión: Justin Haythe; basado en la novela "Vía Revolucionaria" de Richard Yates.

Producción: John N. Hart, Scott Rudin, Sam Mendes y Bobby Cohen.

Música: Thomas Newman.

Fotografía: Roger Deakins.

Montaje: Tariq Anwar.

Diseño de producción: Kristi Zea.

Vestuario: Albert Wolsky.

Estreno en USA: 26 Diciembre 2008.

Estreno en España: 23 Enero 2009.

Sinopsis:

"Revolutionary Road" es un incisivo retrato de un matrimonio norteamericano visto a través de los ojos de Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet). El relato que hace Richard Yates de la Norteamérica de los años 50 plantea una pregunta que ha venido repercutiendo desde entonces sobre las relaciones modernas: ¿pueden dos personas romper con la rutina sin romper entre ellos? Frank y April siempre se han considerado especiales, diferentes, preparados y deseando vivir sus vidas con arreglo a ideales más elevados. Así que, en cuanto se mudan a su nueva casa en Revolutionary Road, declaran su independencia respecto de la inercia suburbana que les rodea y deciden no dejarse atrapar nunca por las restricciones sociales de su época. Sin embargo, pese a su encanto, belleza e irreverencia, los Wheeler descubren que se están convirtiendo exactamente en aquello que no esperaban: un buen hombre con un trabajo sin sentido que ha perdido el valor, un ama de casa infeliz que anhela un poco de satisfacción y pasión, una familia americana con sueños irrealizados, como otra cualquiera. Decidida a cambiar sus destinos, April trama un audaz plan para empezar de nuevo, para dejar atrás las comodidades de Connecticut y lanzarse a la inmensidad de lo desconocido en París. Pero cuando el plan empieza a llevarse a cabo, los dos cónyuges son presionados al límite: uno para escapar a toda costa, y el otro para salvar todo cuanto tienen, sin importar las consecuencias.

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Muy buen guión y muy buen trabajo de los actores, tanto protagonistas como secundarios. Hace tiempo que tenía el DVD de esta película por casa y por fin me decidí a ponerlo. No me arrepentí.

Es una dura historia de amor y desamor, de infelicidad y de búsqueda de una vida que merezca la pena vivirse. Está ambientada en los años 50 (muy buena ambientación, por cierto), pero igual podría estarlo en otra época del siglo XX. El tema no son los 50 y su forma de vida, sino muchos otros. De las múltiples lecturas del relato, cada uno puede quedarse con unas pocas. Para mí, es central el de la búsqueda de la felicidad, la renuncia a los sueños, la insatisfacción vital, la adaptación y superación de las circunstancias...

El final es triste, pero ya te lo esperabas; no obstante, te quedas con la sensación de haber visto algo que merece la pena y que te hace pensar. Estupenda.

"Solas", de Benito Zambrano

Título original: Solas
Año: 1999
Duración: 98 min.
País: España

Director: Benito Zambrano
Guión: Benito Zambrano
Música: Antonio Meliveo
Fotografía: Tote Trenas
Reparto: María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Novoa, Antonio Dechent, Paco de Osca, Juan Fernández, Miguel Alcíbar, Pilar Sánchez, Concha Galán, Paco Tous
Productora: Maestranza Films
Premiso: 1999: Festival de Berlín: Premio del Púbico, 5 Goyas (incluyendo mejor dirección novel y guión original) y 11 nominaciones
Género: Drama | Drama social

Sinopsis:

María (Ana Fernández) malvive en un oscuro apartamento de un barrio miserable, trabaja eventualmente como chica de la limpieza y, casi con cuarenta años, descubre que está embarazada de un hombre que no la ama. Su soledad es tan grande que sólo encuentra consuelo en la bebida. Su madre (María Galiana), que ha consumido su vida al lado de un hombre violento e intolerante, no tiene ni siquiera el consuelo de tenerla cerca. Con motivo del ingreso de su marido en un hospital, la madre visita a María en su apartamento y conoce a un vecino viudo (Carlos Álvarez) que vive con su perro. La relación que se establece entre estos tres náufragos alivia sus soledades y deja una puerta abierta a la esperanza.

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Volví a ver "Solas" después de muchos años y volví a emocionarme con esta hermosa película que no puedo dejar de recomendar por el magnífico trabajo de su director, su equipo y su reparto.

Historia de realidades crudas y dolorosas que, sin embargo, no renuncia a la esperanza. Sus protagonistas nos encogen el corazón y a la vez nos devuelven la fe en el ser humano y nos muestran que se puede mantener la dignidad en las situaciones más extremas, que la amistad y el apoyo de los otros puede surgir donde nunca lo hubiéramos buscado y que es posible huir del destino que parecía abocarnos a repetir los errores de nuestros mayores. 

Os la recomiendo.

"De tu ventana a la mía", de Paula Ortiz

Dirección y guion: Paula Ortiz. 

País: España. 

Año: 2011. 

Duración: 101 min. 

Género: Drama, romance.

Interpretación: Maribel Verdú (Inés), Leticia Dolera (Violeta), Luisa Gavasa (Luisa), Roberto Álamo (Paco), Fran Perea (Pedro), Pablo Rivero (Manuel), Cristina Rota (Isabel), Carlos Álvarez-Novoa (tío Fernando), María José Moreno (tía), Luis Bermejo (Valentín), Julián Villagrán, Ramón Barea (Marín), Álex Angulo (médico). 

Producción ejecutiva: Kike Mora, Puy Oria, Raúl García, David Matamoros y Montxo Armendáriz.

Música: Avshalom Caspi. 

Fotografía: Miguel Ángel Amoedo.

Montaje: Irene Blecua y Javier García Arrendondo. 

Diseño de producción: Jesús Bosqued. 

Vestuario: Arantxa Exquerro y Guillén Doz. 

Distribuidora: Alta Classics.

Estreno en España: 9 Marzo 2012. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis:

Inés, Violeta y Luisa. Tres mujeres. Tres épocas. Tres paisajes atronadores. Tres edades de la vida… y un amor que se entreteje como el hilo de un ovillo mágico que rueda de una a otra mientras sueñan tras la ventana. Hasta que un giro inesperado les corta las alas de golpe. Las tres se enfrentan a una encrucijada vital en busca de su amor, su dignidad, su rincón de felicidad… Cuando parece que nada es posible, ellas se repinten: “¿Quién dijo que todo está perdido? Yo vengo a ofrecer mi corazón…”

De tu ventana a la mía narra las vivencias de tres mujeres cuyos destinos se tejen con el hilo que entrelaza sus historias de amor, de fragilidad y de fortaleza. Un retrato de la experiencia femenina de generación en generación. La rueca de la vida de Inés, Violeta y Luisa gira a tres velocidades en torno a sueños rotos, pasiones escondidas, emociones vulnerables y una fuerte determinación. Un canto a la belleza, contra la desesperanza.

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Tres historias contadas fundamentalmente a partir de la imagen, con diálogos sobrios y concisos, donde todo se dice con lo que se muestra y lo que se evoca y en las que la música y el ambiente recreado con mimo y minuciosidad nos envuelven desde el primer momento.

Quizás pueda acusarse a la película de una excesiva melancolía, pero no se puede dudar del buen hacer de Paula Ortiz ni de su capacidad para transmitir emociones y reflejar caracteres. A mí me ha dejado muy buen sabor de boca esta película y creo que estamos ante una directora que dará que hablar en el futuro.

"La piel que habito", de Pedro Almodóvar

Película: La piel que habito.
Título internacional: The skin I live in.
Dirección: Pedro Almodóvar.
País: España.
Año: 2011.
Duración: 120 min.
Género: Drama.
Interpretación: Antonio Banderas (Robert Ledgard), Elena Anaya (Vera), Marisa Paredes (Marilia), Jan Cornet (Vicente), Roberto Álamo (Zeca), Blanca Suárez (Norma), Eduard Fernández (Fulgencio), José Luis Gómez (Presidente del Instituto de Biotecnología), Bárbara Lennie (Cristina), Susi Sánchez (madre de Vicente), Fernando Cayo (médico).
Guion: Pedro Almodóvar; inspirado en la novela “Tarántula”, de Thierry Jonquet.
Producción: Agustín Almodóvar y Esther García.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: José Luis Alcaine.
Montaje: José Salcedo.
Vestuario: Paco Delgado, con la colaboración de Jean-Paul Gaultier.
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en España: 2 Septiembre 2011.
No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:

Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el doctor Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ése no será el único crimen que cometerá en “La piel que habito”.

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Dicen que es la película más arriesgada de Almodóvar, pero la verdad es que a mí me ha parecido que es él 100%, vamos, más o menos como siempre: su forma de contar, su obsesión por el tema del sexo, del cambio de sexo, la homosexualidad y el folletín tipo "yo soy tu padre" (madre en este caso). 

Lo cierto es que la historia es terrible y dolorosa, pero contada por Almodóvar se convierte en otra cosa, tiene esos toques no sé si llamarlos de humor, locura, vodevil... sí porque hay personajes y escenas que son incalificables (¿para dar risa, para dar miedo o para crear metáforas?) y si no, el que la haya visto que me diga qué piensa del hermano del doctor que llega a la casa vestido de tigre. Advierto que no estoy desvelando nada porque esto sale casi al principio de la película.

En fin, creo que no le voy a dar un aprobado a la película porque ha conseguido que una historia terrible que podía crear miedo y angustia en el espectador sea una sucesión de escenas representadas por personajes más bien planos y repleta de situaciones inexplicadas o inexplicables (¿por qué Marilia y sus hijos venían de Brasil? ¿aporta eso algo a la historia?). Eso sí, dudo que a alguien le deje indiferente.

"Los descendientes" de Alexander Payne

Título original: The descendants.

Dirección:Alexander Payne.

País: USA.

Año: 2011.

Duración: 110 min.

Género: Drama,comedia. 

Interpretación: George Clooney (Matt King), Judy Greer (Julie Speer), Matthew Lillard (Brian Speer), Beau Bridges (primo Hugh), Shailene Woodley (Alexandra), Robert Forster (Scott Thorson), Nick Krause (Sid),Patricia Hastie (Elizabeth King), Amara Miller (Scottie King), Mary Birdsong (Kai Mitchell), Rob Huebel (Mark Mitchell). 

Guion: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash; basado en la novela de Kaui Hart Hemmings. 

Producción: Jim Burke, Alexander Payne y Jim Taylor.

Fotografía: Phedon Papamichael. 

Montaje: Kevin Tent. 

Diseño de producción: Jane Ann Stewart. 

Vestuario: Wendy Chuck. 

Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Estreno en USA:9 Diciembre 2011. 

Estreno en España: 20 Enero 2012. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinoposis:

En “Los descendientes”, Matt King (George Clooney), casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas —la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17—, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia. Herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen algunas de las últimas zonas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable. Cuando Alexandra suelta la bomba de que su madre tenía una aventura amorosa en el momento del accidente, Matt tiene que empezar a mirar con ojos nuevos toda su vida, por no hablar de su herencia, durante una semana plena de cruciales decisiones. Con sus hijas a cuestas, Matt se embarca en la azarosa búsqueda del amante de su mujer. A lo largo del camino, donde se van alternando encuentros divertidos, conflictivos y trascendentales, Matt comprende que por fin se halla en la buena dirección para reconstruir su vida y su familia.

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Película emotiva y fresca, en la que no pasa nada realmente extraordinario y en la que, en cambio, todo resulta extraordinariamente humano e incluso trascendental. A través de los intentos de un padre por construir una nueva relación con sus hijas y por comprender por qué y con quién le engañó su mujer, somos testigos y compartimos múltiples sensaciones y sentimientos: el dolor por la pérdida, el reconocimiento de la pena y del sentimiento de humillación, la búsqueda de la comprensión, la aceptación, el perdón, el reconocimiento de lo que nos une, la apreciación de lo que vale más que el dinero...

Película muy recomendable si no eres de los que en el cine sólo busca evasión y acción, claro. Ahí van algunas críticas que he leído que me parecen acertadas y que pueden ayudar a hacerse una idea de qué podrás ver en "Los descendientes":

"Otra pieza cinematográfica bellamente elaborada - brillante, divertida, generosa y emocionante - que escribe sus propias reglas como lo hicieron antes 'A propósito de Schmidt' o 'Entre copas'" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

"'The Descendants' es prácticamente perfecta. El director Alexander Payne es un maestro de la comedia humana y George Clooney nunca se ha expuesto a la cámara tan abiertamente (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

"Después su última película, Payne fue comparado por algunos con Billy Wilder por su ingenio y por otros, con Jean Renoir por su humanidad. Después de esta película, yo le compararía con el hombre que hizo 'Entre copas': es el mejor cumplido que conozco" (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)

"'The Descendants' aborda algunos de los más espinosos asuntos que puede enfrentar una familia contemporánea, con tanta sensibilidad que casi no notas que te están ilustrando a la par que entreteniendo" (Peter Debruge: Variety)

"Algo tan fresco como trascendente (...) Como suele ocurrir en Payne, en su puesta en escena se mezcla la naturalidad casi de documental con alguna imagen de impacto (...) su escritura siempre es afilada, tanto por su humor como por su amor" (Javier Ocaña: Diario El País)

"Payne tiene el don de hacer pasar por sencillo lo que es trabajo de genio, y su filme, que encuentra un delicado equilibrio entre lo humillante y lo sentimental, tiene la auténtica textura de un trozo de vida (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

"Una tragicomedia que se mueve con sorprendente naturalidad entre el melodrama devastador y la comedia absurda (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

"Payne (...) en 'Los Descendientes' alcanza una irrefutable madurez, un control prodigioso de un tono casi imposible y se plantea los mayores desafíos de su carrera (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

"No habrá paz para los malvados", de Enrique Urbizu

Título original: No habrá paz para los malvados

País: España

Estreno en España: 23/09/2011

Productora: Telecinco Cinema, LaZona

Director: Enrique Urbizu

Guión: Enrique Urbizu, Michel Gaztambide

Reparto: José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, Pedro Maria Sánchez, Nadia Casado

Calificación: No recomendada para menores de 12 años

Sinopsis:

“No habrá paz para los malvados” nos sitúa en Madrid, un domingo cualquiera, otro más, en el que el inspector de policía Santos Trinidad, de camino a casa, ya muy borracho, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar y que podría incriminarle. Santos Trinidad inicia la caza del hombre, emprende una investigación destinada a localizar y eliminar al testigo. Mientras tanto, la juez Chacón, encargada de la investigación del triple crimen, avanza meticulosamente en la búsqueda del asesino. Ambos, Santos y Chacón, van a descubrir que nada es lo que parece, y lo que empieza siendo un simple caso de tráfico de drogas, desembocará en algo mucho más peligroso. Sólo Santos parece ser capaz de impedirlo, siempre que la juez Chacón no consiga detenerle antes. 

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He puesto aquí la que debe ser la sinopsis "oficial" porque por más que busco no encuentro otra. Sin embargo, no estoy de acuerdo para nada con lo que dice. Yo creo, y he leído algunos comentarios en internet que opinan como yo, que las muertes del principio no son una casualidad, que Santos Trinidad no se ve "involucrado en un triple asesinato", sino que todo ha sido algo buscado por él, que viene de su vida anterior, cuando era un policía bien considerado que recibía medallas hasta que paso algo que se cuenta muy por encima en la película y que no voy a desvelar aquí.

Pese a todo, creo que la razón de que esto no esté claro y de que haya opiniones contrarias es que el guión está fatalmente desarrollado y que tiene lagunas y elipsis que supongo que pretenden ser muy artística y muy modernas, pero que a mí me dejaron enterándome sólo a medias de la historia (y yo no soy precisamente lenta pillando tramas complicadas). 

He leído opiniones entusiastas de la peli y otras que echan pestes. Yo no voy a echar pestes... pero casi. No me gustó mucho, la verdad. Pasé  el rato y vale. Lo único que me gustó de verdad fue la interpretación de Coronado y de Helena Miquel; por lo demás, no le vi fundamento a la historia, me fastidió que hasta casi un tercio del metraje no me enterase más o menos de qué iba la cosa y creo que era fundamental ahondar en el pasado del protagonista para entender por qué actuaba así, y no se hace en absoluto.

Película con pretensiones de cine negro, pero no le llega ni a la suela de los zapatos a los clásicos del género.  A algunos embarullar una historia y dejar al espectador a dos velas les debe parecer el colmo del cine inteligente; a mí me parece una falta de respeto al espectador.