"La noche que mi madre mató a mi padre", de Inés París

Título original: La noche que mi madre mató a mi padre

Año: 2016

Duración: 93 min.

País España

Directora: Inés París

Guión: Inés París, Fernando Colomo

Música: Arnau Bataller

Fotografía: Néstor Calvo

Reparto: Belén Rueda, Eduard Fernández, Diego Peretti, María Pujalte, Fele Martínez, Patricia Montero

Productora: Canal+ España / Ono / Rodajefilms

Género: Comedia

Sinopsis:

Isabel se debate entre la necesidad de sentirse valorada como actriz, sus inseguridades, su temor a envejecer, su coquetería y sus contradicciones. Una noche, es la anfitriona de una cena muy especial: su marido Ángel, que es guionista, y Susana, la ex-mujer de Ángel, y directora de cine, quieren convencer al actor argentino Diego Peretti para que protagonice una película. Pero en un momento dado ocurre algo inesperado que sorprende a todos y perturba la velada.

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Humor negro, enredos, homenaje a los clásicos del suspense, buena puesta en escena y estupendos actores. La película te hace pasar un buen rato, sin más pretensiones que disfrutar del cine, que no es poco.

El humor se basa en la sucesión encadenada de situaciones muchas veces absurdas y en todo caso inesperadas a partir de una situación inicial excepcional  y en las reacciones de los personajes. La cosa se va liando hasta que esas reacciones llegan al límite. Pero que nadie se asuste, esto es una comedia y aquí no venimos a sufrir sino a entretenernos.

Para disfrutar de un buen trabajo actoral y dejarse llevar por el humor.

"Truman", de Cesc Gay

Película: Truman. 

Dirección: Cesc Gay. 

Países: España y Argentina.

Año: 2015. 

Duración: 108 min. 

Género: Tragicomedia. 

Reparto: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi. Guion: Cesc Gay y Tomás Aragay.Música: Nico Cota. 

Estreno en España: 30 Octubre 2015. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis:

Julián (Ricardo Darín) recibe la visita inesperada de su amigo Tomás (Javier Cámara), que vive en Canadá. Los dos amigos junto a Truman, su perro fiel, compartirán a lo largo de cuatro intensos días momentos emotivos y sorprendentes, provocados por la difícil situación que está atravesando Julián.

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Ganadora de cinco Premios Goya 2015 (mejor película, mejor dirección, mejor guión original, mejor actor principal y mejor actor de reparto). Es una emotiva película que no deja indiferente y en la que la labor de los dos actores, ambos principales aunque a Javier Cámara lo hayan calificado como "de reparto" para presentarlo en una categoría que no compitiera con Darín, es fundamental. Juntos llevan el peso de la historia con diálogos sobrios y escenas contenidas en las que se sugieren  más que se analizan los retos a los que ambos tienen que enfrentarse en esos últimos momentos de la vida de Julián, el fundamental el de la despedida sin caer en lo lacrimógeno, aunque resulta imposible no emocionarse ante esas escenas que sabemos van a ser las últimas de la vida que pasen juntos.

Truman es el testigo mudo de ese adiós y a la vez protagonista por ser objeto de la preocupación de su amo que sabe que él es lo único que tiene el perro y que también va a sufrir por su pérdida.

El difícil equilibrio entre el respeto a las decisiones de otro y la necesidad de expresar el dolor y rechazo que la muerte del que amamos nos supone, es otro de los temas que sobrevuelan por la historia y que pone de manifiesto la figura de Paula, prima de Julián que se niega a aceptar la decisión de este último de no seguir con el tratamiento. Su dolor y su ira pone el contrapunto a la aparente aceptación de Tomás y al mismo tiempo ayuda a este último, en una de las escenas finales, a expresar él mismo el dolor que estaba conteniendo.

Una estupenda película con unos maravillosos actores.

"Sufragistas", de Sarah Gavron

Título original: Suffragette
Año: 2015
Duración: 106 min.
País Reino Unido
Director: Sarah Gavron
Guión: Abi Morgan
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Eduard Grau
Reparto: Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Meryl Streep, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson, Ben Whishaw, Romola Garai, Samuel West, Geoff Bell, Natalie Press,Lee Nicholas Harris, Richard Banks, Adrian Schiller, Judit Novotnik, Morgan Watkins
Productora: Film4 / Pathé / Ruby Films
Género: Drama | Histórico. Política.

Sinopsis:

El movimiento sufragista nació en Inglaterra en vísperas de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). La mayoría de las sufragistas no procedían de las clases altas, sino que eran obreras que veían impotentes cómo sus protestas pacíficas no servían para nada. Entonces se radicalizaron y, en su incansable lucha por conseguir la igualdad, se arriesgaron a perderlo todo: su trabajo, su casa, sus hijos y su vida. La protagonista es Maud (Carey Mulligan), una mujer que reivindicó denodadamente la dignidad de las mujeres. 

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La película como tal me ha resultado un poco "coja" porque cuenta una historia que me ha interesado muchísimo pero a veces parece más un documental que una película, mostrando muchas cosas pero algo superficialmente: la situación de las mujeres trabajadoras en la Inglaterra de principios del siglo XX, la renuncia a la familia de muchas mujeres que se implicaron en la lucha activa, el poco o ningún apoyo de sus maridos, la estigmatización social que sufrían, los abusos del Gobierno y de la policía...

El personaje más redondo es el de la protagonista, de la que sí tenemos más datos y sabemos más de su vida y sentimientos. El resto quizás se limita demasiado a muchas pinceladas, eso sí, con escenas muy dramáticas, como los arrestos y malos tratos por la policía, la situación en la cárcel, la muerte en las carreras...

Con todo, me impactaron la película y la historia, ver en primer plano la lucha de esas mujeres para conseguir algo que hoy damos por supuesto y a veces ni siquiera valoramos (se oye tanto hablar de la inutilidad de votar, la democracia está tan desprestigiada...). Si os interesa el tema y os quedan ganas de saber más podéis leer algunos artículos interesantes sobre sufragistas en general y Emmeline de Pankhurst en particular, por ejemplo en El Mundo. 

"La novia", de Paula Ortiz

Película: La novia. 

Dirección: Paula Ortiz. 

País: España. 

Año: 2015.

Duración: 96 min. 

Género: Drama, romance. 

Interpretación: Inma Cuesta, Álex García, Asier Etxeandía, Leticia Dolera, Manuela Vellés, Luisa Gavasa, Carlos Novoa. Guion: Paula Ortiz y Javier García Arredondo; basada libremente en la obra “Bodas de sangre”, de Federico García Lorca.

Música: Shigeru Umebayashi. 

Distribuidora: Betta Pictures. 

Estreno en España: 11 Diciembre 2015.

Sinopsis:

Dos hombres, una mujer, un amor, un deseo más fuerte que la ley y que la naturaleza salvaje del mundo que les rodea. Leonardo, el novio y la novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y la novia tienen un hilo invisible, feroz, imposible de romper… Pasan los años y ella, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con el novio en medio del desierto blanco, de tierras salinas y yermas, donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una mendiga anciana que le ofrece un regalo y un consejo: «No te cases si no le amas», mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de la novia.

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Poesía pura, eso es esta película. Y es increíble cómo a pesar de que sabes desde el principio lo que va a pasar (aunque no hayas leído/visto "Bodas de sangre" solo leyendo la sinopsis de "La novia" y contrastando con el título de la obra de Lorca está claro que una comedia no va a ser, ¿no?) te mantiene enganchado desde el minuto primero.

Imágenes, texto y música se trenzan y forman un tejido que te envuelve. No es solo cine, no es contar una historia, es algo más, es pura belleza. No exagero. Seis premios Feroz de momento y esperad a los Goya, porque si Luisa Gabasa (la madre del novio) no gana el Goya a la mejor actriz de reparto es que no hay justicia.

"Pride", de Matthew Warchus

Película: Pride. 

Dirección: Matthew Warchus. 

País: Reino Unido.

Año: 2014.

Duración: 120 min. 

Género: Comedia dramática.

Interpretación: Bill Nighy (Cliff), Imelda Staunton (Hefina), Dominic West (Jonathan), Paddy Considine (Dai), Andrew Scott (Gethin).

Guion: Stephen Beresford. 

Producción: David Livingstone.Música: Christopher Nightingale. 

Fotografía: Tat Radcliffe.

Montaje: Melanie Oliver. 

Diseño de producción: Simon Bowles.

Vestuario: Charlotte Walter. 

Distribuidora: Golem. 

Estreno en España: 19 Marzo 2015. 

No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis:

Verano de 1984. Margaret Thatcher gobierna y el Sindicato Nacional de Mineros ha convocado una huelga. Durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres, un grupo de lesbianas y gays se dedica a recaudar fondos para ayudar a las familias de los mineros. Pero hay un pequeño problema: el sindicato no acepta el dinero. Sin embargo, los activistas no se desalientan; deciden saltarse al sindicato e ir directamente a los minero, de modo que escogen un pueblecito de Gales al que van en un minibús. Así empieza la extraordinaria historia de cómo dos comunidades totalmente diferentes se unen por una causa común.

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Resulta que esta película está basada en hechos reales y yo, ignorante de mí, no tenía ni idea. Creo que eso es lo que más me gusta de ella, eso y su estupendo reparto, además de su tono optimista y combativo. Es verdad que a veces resulta un tanto tópica y predecible, que se podría profundizar en varios de los aspectos que se reflejan, que puede parecer simplista en algunos momentos... pero resulta también, tierna, divertida, conmovedora y te deja con buen sabor de boca a pesar de que no refleja solo hechos positivos ni mucho menos. No es ningún secreto que los mineros del Reino Unido perdieron su lucha contra el gobierno conservador de Margaret Thatcher, y la lucha de la comunidad de gays y lesbianas por hacer valer sus derechos no ha terminado todavía a pesar de los grandes avances conseguidos, pero el clima de lucha que transmite la película, esa sensación de que juntos se puede conseguir algo, aunque solo sea el ser mejores personas, el mensaje de que hay que seguir adelante sin rendirse a pesar de todo, queda grabado en los espectadores y te deja cuando termina la película una sonrisa en la boca aunque sea teñida de una cierta tristeza. 

"Marte (The Martian)", de Ridley Scott

Película en 2D y 3D: Marte (The Martian).

Dirección: Ridley Scott. 

País:USA. 

Año: 2015. 

Duración: 144 min.

Género: Ciencia-ficción.
Reparto: Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Peña, Kate Mara, Sean Bean, Sebastian Stan, Aksel Hennie, Donald Glover, Mackenzie Davis, Chiwetel Ejiofor.
Guion: Drew Goddard; basado en la novela de Andy Weir.
Estreno en España: 16 Octubre 2015.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis:

Durante una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney es dado por muerto después de una tormenta y abandonado por el resto de la tripulación. Pero Watney está vivo y se encuentra atrapado y solo en este planeta hostil. Con escasos suministros, el astronauta recurre a su ingenio para sobrevivir y comunicarse con la Tierra. A millones de kilómetros de distancia, la NASA y un equipo internacional de científicos trabajan desde entonces sin descanso para traer al “marciano” a casa, mientras que, al mismo tiempo, sus compañeros de tripulación trazan una misión de rescate casi imposible. A medida que estas historias de increíble valentía tienen lugar, el mundo se hace una piña para el retorno seguro de Watney.

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Al contrario que con Interstellar, disfruté mucho con esta película. No le pidáis más que entretenimiento, pero me parece que eso no es poco. Bueno, supongo que los medios técnicos están muy bien utilizados y Matt Damon resulta tan convincente como siempre, aunque no me parece un papel de Óscar. Por lo demás, la acción resulta muy entretenida gracias al buen manejo de los tiempos, y la sabia alternancia humor y situaciones dramáticas.

No es una película que se plantee más temas de fondo que el afán de supervivencia y la capacidad de superación del ser humano (ahí es nada), no esperéis una reflexión sobre si el dineral que se gastan en la misión de rescate podría haberse empleado en salvar muchas más vidas que las de una sola persona, por muy heroico que pueda ser su comportamiento. Seguro que además hay fallos científicos de peso y grandes exageraciones, pero esto no es ciencia, es ciencia-ficción, vamos, que ya te avisan desde el principio de que lo que vas a ver se lo están inventando. Pero la invención resulta de lo más convincente y la forma de contar la historia te mantiene en vilo hasta el final, aunque sepas que todo tiene que acabar bien (afortunadamente).

Una buena elección para pasar una agradable tarde de fin de semana.

"Regresión", de Alejandro Amenábar

Título original: Regression.
Dirección y guion: Alejandro Amenábar.
Países: España y Canadá.
Año: 2015.
Duración:106 min.
Género: Thriller, policiaco, terror.
Reparto: Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis, Devon Bostick, David Dencik, Lothaire Bluteau.
Producción: Alejandro Amenábar, Fernando Bovaira y Christina Piovesan.
Música: Roque Baños.
Estreno en España: 2 Octubre 2015.
Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis:

Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso de la joven Angela Gray (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Kenneth Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.

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La última película de Alejandro Amenábar me ha parecido correcta técnicamente (sabiendo que mi opinión al respecto no es experta en absoluto), pero no muy entretenida. He leído no muy buenas críticas de ella y quizás con la que más coincido es con la de Ángel Castillo en labutaca.net. Dice Ángel sobre "Regresión", que "lo que en principio parecía que iba a ser una interesante reflexión sobre la génesis del miedo y sobre la lucha entre la razón y la fe, entre la ciencia y la religión, en realidad se trata de un thriller del montón, un aburrido telefilm con una floja trama de satanismo y pesadillas. Eso sí, con envoltorio de calidad". 

Reconociendo que hay gustos para todos y que no a todos nos aburren o entretienen las mismas cosas, creo que hay que reconocer que la historia se apoya en muchas pretensiones y poco contenido: mucha escena oscura, de pesadillas que pretender ser tomadas por realidad, silencios, miradas inquietantes e imaginar más que investigar de verdad. El final resulta predecible (yo al menos lo vi venir casi desde el principio y dudo que sea la única) y poco emocionante. Quizás lo más inquietante de la película resulta el pensar que hechos similares ocurrieron realmente y que el miedo y la superstición pueden calar en las personas con una facilidad pasmosa destruyendo mucho a su paso.

En conjunto, creo que hubiera sido mejor esperar a ver la película por televisión, me habría salido más barato.

"Interstellar", de Christopher Nolan

Película: Interstellar. 

Dirección: Christopher Nolan. 

Países: USA y Reino Unido. 

Año: 2014. 

Duración: 169 min. 

Género: Ciencia-ficción. 

Interpretación: Matthew McConaughey (Cooper), Anne Hathaway (Amelia), Jessica Chastain (Murph), Michael Caine (profesor Brand), Bill Irwin (voz de TARS), Casey Affleck (Tom), Topher Grace (Getty), David Oyelowo, John Lithgow (Donald), Ellen Burstyn (Murph anciana), David Gyasi (Romilly). 

Guion: Christopher Nolan y Jonathan Nolan.

Producción: Christopher Nolan, Lynda Obst y Emma Thomas. 

Música: Hans Zimmer. 

Fotografía: Hoyte Van Hoytema. 

 Montaje: Lee Smith. Vestuario: Mary Zophres. 

Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. 

Estreno en España: 7 Noviembre 2014. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis:

Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores decide embarcarse en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.

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La película ha recibido un montón de premios (fundamentalmente referidos a los aspectos técnicos):

 

Oscar: Mejores efectos visuales. 5 nominaciones incluida mejor banda sonora

Globos de Oro: Nominada a Mejor banda sonora original

Premios BAFTA: Mejores efectos especiales visuales

American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo Mejor fotografía

Critics Choice Awards: Mejor película de ciencia ficción

Críticos de Chicago: 4 nominaciones incluyendo Mejor director

Y a mí me ha dejado fría, no, peor, me ha aburrido mortalmente. Lo cual no es raro si tenemos en cuenta sus 169 minutos de duración. Pero eso no me supondría un problema -no tengo nada contra las películas largas-, lo realmente malo ha sido la temática. No me va la ciencia-ficción en general y si pretende filosofar utilizando para ellos argumentos científicos ininteligibles para el común de los mortales (y para los científicos supongo que también, porque imagino que parten de algo que ahora sí se sabe con mayor o menor certeza y el resto se lo inventan) pues me cansa todavía más porque a la tercera frase ya no sé de qué me están hablando.

El tema en sí me parece muy interesante: el destino de la humanidad, la búsqueda de mundos nuevos, el valor y afán de superación de los exploradores (de estos intergalácticos y de los de todos los tiempos), cómo afecta esto a sus relaciones personales, preguntarnos por qué es lo que nos hace verdaderamente humanos... muchos aspectos que se tratan en la película y que a mí personalmente me interesan, pero con un envoltorio tan complejo y taaaaan largo que perdí el interés a los 30 minutos.

Y lo que menos me gustó es el final, aunque solo puedo explicarlo a grandes rasgos porque no me gusta destripar cómo acaba una historia. Será que tengo una mente cerrada o negada para la física, pero pensar en cinco dimensiones (?) se me escapa y no consigo vencer mi incredulidad lo suficiente para aceptar la explicación que da el guión a los fenómenos "paranormales" que percibe la hija del protagonista al principio de la película; y por último, que dejen un final abierto a lo que parece una posible segunda parte de la historia me acaba de cabrear con la película. 

Que mi opinión no os eche para atrás. Si sois amantes de la ciencia-ficción y no os importa no entender ni papa de física cuántica o no cuántica o entendéis muchísimo y os gusta que la destrocen en una película, supongo que disfrutaréis mucho con la historia. A mí, aunque superara mi problema de incomprensión e incredulidad y decidiera que no me importa no entender más que las líneas gruesas del argumento, me sigue sobrando una hora y media de película.

"Un día perfecto", de Fernando León de Aranoa

Título original: A perfect day

Dirección: Fernando León de Aranoa

País: España

Año:2015

Duración: 105 min

Género: Comedia dramática 

Interpretación: Benicio del Toro (Mambrú), Tim Robbins (B.), Olga Kurylenko (Katya), Mélanie Thierry (Sophie), Fedja Stukan (Damir), Eldar Residovic (Nikola). Guion: Fernando León de Aranoa; basado en la novela “Dejarse llover”, de Paula Farias

Distribuidora: Universal Pictures Intenational Spain

Estreno en España: 28 Agosto 2015

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años

Sinopsis:

En una zona en guerra, en la que los cascos de las Naciones Unidas tratan de controlar la situación, varios personajes viven sus propios conflictos; Sophie (Mélanie Thierry) quiere ayudar a la gente, Mambrú (Benicio del Toro) quiere volver a casa, y Katya (Olga Kurylenko) quiso una vez a Mambrú. Por su parte Damir (Fedja Stukan) quiere que la guerra termine, Nikola (Eldar Residovic) quiere un balón de fútbol, y B (Tim Robbins) no sabe lo que quiere. Un grupo de cooperantes trata de sacar un cadáver de un pozo en una zona de conflicto. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple se convierte aquí en una misión imposible, en la que el verdadero enemigo quizá sea la irracionalidad. Los cooperantes recorren el delirante paisaje bélico tratando de resolver la situación, como cobayas en un laberinto. (FILMAFFINTY)

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Supongo que Aranoa es sobradamente conocido, y no solo en España, pero no está de más recordar algunas cosas sobre él.  Un día perfecto es el sexto largometraje del realizador después de Familia (1996), Barrio (1998), Los lunes al sol (2002), Princesas (2005) y Amador (2010), una producción de Reposado (la productora de Aranoa) y de Mediapro; también ha dirigido tres documentales —Invisibles (2007), Caminantes (2001) y Primarias (1998)— y un cortometraje, Sirenas (1994). Todos estos trabajos le han valido diez nominaciones a los premios Goya, cinco de ellas con premios: mejor documental por Invisibles, mejor director por Los lunes al Sol, mejor director y mejor guión adaptado por Barrio y mejor dirección novel por Familia. A esto se suma que ha sido reconocido en tres ocasiones en el Festival de Cine de San Sebastián y otra en el Festival Internacional de Valladolid.

De momento Un día perfecto no ha ganado ningún premio, aunque fue una de las diez películas preseleccionadas para el premio LUX  que otorga el Parlamento Europeo desde 2007.  No obstante, queda camino por delante y creo que seguiremos oyendo hablar de esta obra.

Dice el director que la película "es un drama dentro de una comedia, dentro de una road movie, dentro de una película bélica". Ciertamente tiene un poco de todo eso; todo cabe en esta película donde humor, dolor, trabajo, compromiso, miedo, rutina, burocracia, rebeldía y mucho más se mezcla para acabar configurando lo que puede ser un día perfecto... o no.

La película está inspirada en el libro de Paula Farias Dejarse llover, que ha sido recientemente reeditado. Podéis leer varias entrevistas a esta escritora y cooperante de Médicos sin Fronteras, ONG que también presidió, y conocer un poco más sobre ella y sobre su trabajo. Os propongo por ejemplo el artículo que recoge RTVE y una reciente entrevista en CADENA SER. 

La acción en el libro transcurre en algún lugar de Kosovo y Aranoa la traslada a Bosnia, pero el lugar podría ser cualquier país en guerra, pues la historia se centra en los personajes y en cómo afecta el conflicto a la vida cotidiana, en lo absurdo del enfrentamiento, en el afán de supervivencia, en la humanidad de las víctimas y de quienes intentan ayudar, en la burocracia y la normativa administrativa que entorpece y en los esfuerzos de casi todos por seguir adelante a pesar de todo. Afortunadamente, el sentido del humor no se pierde, aunque sea a veces muy negro, porque las situaciones dramáticas son muchas y podría ser una película muy dura pero se hace más digerible gracias a ofrecer un punto de vista más humano y desdramatizador. A algunos esto hace que se les quede corta, a mí me parece que te hace más comprensible e incluso más cercano el mundo que refleja y que puedes empatizar más con los personajes. Cuestión de gustos, supongo, y quizás también de perspectivas, de formas de mirar la vida. Dice la autora en alguna entrevista que ella y Fernando León de Aranoa, con quien ha colaborado estrechamente en el guión, tienen las mismas gafas de mirar el mundo; será que yo uso las mismas gafas.

Si os animáis, Suma de Letras acaba de reeditar Dejarse llover, de Paula Farias, con prólogo de Fernando León de Aranoa que podéis leer aquí.

"Ricki" de Jonathan Demme

Título original: Ricki and the flash. 

Dirección: Jonathan Demme. 

País: USA. Año: 2015.

Duración: 101 min. 

Género: Comedia dramática. 

Reparto: Meryl Streep (Ricki), Kevin Kline (Pete), Sebastian Stan, Mamie Gummer (Julie), Ben Platt (Daniel), Rick Springfield, Charlotte Rae. 

Guion: Diablo Cody. 

Estreno en España: 28 Agosto 2015. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis:

Meryl Streep es Ricki Rendazzo, líder de la banda de Ricki and the Flash, que toca en un bar de Tarzana (California), se gana la vida como cajera en un supermercado y se ve obligada a retomar el contacto con la familia que dejó atrás –marido (Kevin Kline) y tres hijos, ya adultos (Mamie Gummer, Sebastian Stan, Nick Westrate)– en Indianápolis.

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Fui a ver esta película porque la guionista es Diablo Cody y la protagonista Meryl Streep. Desgraciadamente, el guión no tiene nada de particular, de hecho, es una historia mil veces contada con la única originalidad de que ver a una señora madurita de líder de banda de rock no es muy común, pero el transfondo de la historia que se cuenta no tiene nada de original. Eso sí, Meryl Streep, como siempre, está extraordinaria, y la música es genial.

Música aparte -y sin duda es lo mejor de la película-, estamos ante una comedia amable que trata diversos temas peliagudos (el divorcio, el abandono, el suicidio, el fracaso, la maternidad y varios más) sin llegar a profundizar en ninguno. 

En fin, que la película se deja ver, entretiene sin más y dan ganas de comprarse el DVD con la banda sonora, pero por lo demás creo que podéis esperar a que la pongan en televisión y gastaros la pasta en otra cosa.

"El desafío: Frost contra Nixon", de Ron Howard

Dirección: Ron Howard.

Países: USA y Reino Unido.

Año: 2008.

Duración: 122 min.

Género: drama.

Interpretación: Frank Langella (Richard Nixon), Michael Sheen (David Frost), Kevin Bacon (Jack Brennan), Sam Rockwell (James Reston Jr.), Oliver Platt (Bob Zelnick), Rebecca Hall (Caroline Cushing), Matthew Macfadyen (John Birt), Toby Jones (Swifty Lazar).

Guión: Peter Morgan; basado en su obra.

Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Brian Grazer y Ron Howard.

Música: Hans Zimmer.

Fotografía: Salvatore Totino.

Montaje: Dan Hanley y Mike Hill.

Diseño de producción: Michael Corenblith.

Vestuario: Daniel Orlandi.

Estreno en USA: 5 Diciembre 2008.

Estreno en España: 6 Febrero 2009.

Sinopsis:

En los tres años siguientes a verse obligado a dejar la Casa Blanca, Nixon (Frank Langella) permaneció en silencio. Sin embargo, en el verano de 1977, el astuto y frío ex presidente aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia. Nixon sorprendió a todos al escoger a David Frost (Michael Sheen) como confesor televisivo, seguro de que podría con el alegre presentador británico y se ganaría los corazones y las mentes de los estadounidenses. El equipo de Frost no estaba seguro de que el periodista fuera capaz de llevar a Nixon adonde quería. Pero en cuanto empezaron a rodar, la batalla comenzó. ¿Podría Nixon eludir las preguntas acerca de su papel en una de las mayores vergüenzas sufridas por la nación? ¿Exigiría Frost respuestas claras del hombre que llegó al poder por ser el maestro de la evasiva? Durante la entrevista, cada uno revela sus inseguridades, personalidad e inesperadas reservas de dignidad, para llegar por fin a una asombrosa exhibición de sinceridad. La película no sólo recrea la entrevista televisada, sino las semanas precedentes de negociaciones y maniobras entre los dos hombres y sus equipos, en las que se llegó a acuerdos y se revelaron secretos, hasta el momento cumbre en que ambos se sentaron ante la opinión pública.

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Pues poco más puedo añadir a la sinopsis que he tomado de la web de labutaca.net, en la que también podéis encontrar información de cómo se hizo la película, refiriéndose a cómo se creo la obra de teatro del también guionista de la película, Peter Morgan, cómo se convirtió en película y qué aspectos se planteó el autor analizar y mostrar al público,  no tanto una recreación exacta de lo que sucedió (quién dijo qué, cuándo y cómo), sino unas ideas de fondo claras: la enorme importancia del periodismo y especialmente de la televisión en el mundo político desde la segunda mitad del siglo XX, el duelo de personalidades que se planteó en las famosas entrevistas de Frost y Nixon, la ambigüedad y dualidad de los personajes (no podemos dejar de sentir pena en algunos momentos por el anciano presidente, confuso y derrotado, aunque en otros queda patente su arrogancia y ansia de poder, del mismo modo que advertimos que bajo su apariencia de jovialidad y superficialidad, Frost no es tan inofensivo como parecía).

Documental ficcionado o ficción documental, la película muestra los entresijos de la generación de los famosos programas de entrevistas y nos van preparando hacia el momento final. Sabemos que Frost consiguió dejar en evidencia a Nixon delante de 45 millones de espectadores y, no obstante, el guión y los actores (y todo el fantástico equipo técnico y artístico) consiguen conducirnos espectantes hacia ese momento final, testigos de un combate entre equipos y, sobre todo, personalidades, que no podemos dejar de mirar.

Si sois de películas de acción sin más esta no es vuestra película, evidentemente; ahora bien, si disfrutáis con una buena interpretación y una historia que no solo os cuente, con mayor o menor subjetividad, momentos clave de nuestra historia, sino que además os haga reflexionar sobre temas muy actuales (política, honradez, periodismo, denuncia...), seguro que os gustará.

Por último, os aconsejo refrescar vuestros conocimientos del caso Watergate antes de empezar a ver la película. Podéis imaginaros que hay una cantidad de información ingente en la red al respecto, pero con un vistazo a wikipedia os bastará para poneros al día y no perderos en ningún momento.

"La familia Bélier", de Eric Lartigau

Título original: La famille Bélier

Año: 2014

Duración: 105 min.

País: Francia

Director: Eric Lartigau

Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain, Eric Lartigau

Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine

Fotografía: Romain Winding

Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe

Fotografía: Romain Winding

Productora: Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma

Género: Comedia dramática.

2014: Premios César: Mejor actriz revelación (Emera). 6 nominaciones

Sinopsis; 

Todos los miembros de la familia Bélier son sordomudos, excepto Paula, de 16 años. Ella hace de intérprete para sus padres, especialmente en lo que respecta al funcionamiento de la granja de la familia. Un día, alentada por su profesor de música, que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France, pero se trata de una elección que la obligará a distanciarse de su familia.

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Una historia predecible que consigue emocionar y hacer reír gracias a una estupenda interpretación y a un guión con unas situaciones poco corrientes para el común de los espectadores. Si bien el tema central -la relación familiar, la necesidad de los hijos de encontrar su lugar en el mundo y afirmar su independencia y la dificultad de los padres para encontrar el equilibrio entre motivar esa actitud y aceptar las decisiones de sus vástagos- es un tema que podríamos considerar "eterno" y común a muchas películas, el planteamiento de esta historia, el partir de una familia de discapacitados y plantear la dependencia de los padres con respecto de su hija, así como su incapacidad, en este caso física, de comprender (ni siquiera percibir) el talento de su hija, que le lleva a pensar en llevar una vida completamente distinta de la que ellos esperaban, nos plantea el tema tópico desde un punto de vista inesperado y nos ofrece una mirada distinta a la que estábamos acostumbrados.

La historia evoluciona desde un planteamiento inicial fundamentalmente cómico hacia una situación dramática que culmina en dos escenas cargadas de emoción y que no puedo describir porque no me gustan los spoilers. Baste decir que el director y los intérpretes consiguen hacernos entender cómo perciben el mundo esos padres (y el hijo menor, no lo olvidemos) y lo difícil que tiene que ser para ellos comprender la decisión de su hija.

Otros temas se nos plantean  también a lo largo de la trama no menos interesantes que el central: la amistad en la adolescencia, la iniciación a la sexualidad, la docencia, la superación de los miedos y limitaciones personales (no os digo más que el padre sordo se presenta a alcalde de su ciudad pese a las pegas iniciales de familia y vecinos)... No desaprovechéis la oportunidad de ver esta película con amigos y/o con vuestros padres o hijos y comentarla, seguro que surgirán muchas cosas que decir.

"Calvary", de John Michael McDonagh

Película: Calvary.

Dirección y guion: John Michael McDonagh.

Países: Irlanda y Reino Unido. 

Año: 2014. 

Duración: 100 min. 

Género: Comedia negra, drama 

Interpretación: Brendan Gleeson (padre James), Chris O’Dowd (Jack), Kelly Reilly (Fiona), Aidan Gillen, Dylan Moran, Isaach De Bankolé, M. Emmet Walsh.

Producción: Chris Clark, Flora Fernández Marengo y James Flynn.

Música: Patrick Cassidy. 

Fotografía: Larry Smith. 

Montaje: Chris Gill.

Diseño de producción: Mark Geraghty. 

Vestuario: Eimer Ni Mhaoldomhnaigh. 

Distribuidora: Hispano Foxfilm. 

Estreno en España: 6 Marzo 2015.

No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis:

Calvary se centra en la vida del padre James Lavelle (Brendan Gleeson, El irlandés), un hombre dispuesto a que el mundo sea un lugar mejor. El sacerdote está sorprendido por la cantidad de confrontaciones que hay en su pequeño pueblo, le entristece que sus habitantes sean tan rencorosos. Cuando está tomando confesión recibe una amenaza, y el religioso empieza a ser atormentado por los miembros de su parroquia.

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¿Comedia negra, dicen? A mí no me ha hecho precisamente gracia. Sí que tiene algún toque de humor muy negro, pero la sensación final es de total devastación; eso sí, también de haber presenciado algo fuera de lo corriente y que merece la pena.

Los paisajes de una Irlanda rural, gris y húmeda, son un personaje más de este drama con toques de humor negro en el que vamos acompañando al Padre Lavelle conforme va visitando a unos feligreses a cual más miserable, la verdad. Pocos se salvan de una disección despiadada que nos muestra almas oscuras y aparentemente poco merecedoras de compasión. Si quitamos al anciano que no tiene ningún deseo de seguir viviendo y a la hija que el sacerdote tuvo antes  de quedarse viudo y abrazar el sacerdocio, el resto de los personajes no despiertan precisamente nuestra simpatía y nos hacen preguntarnos "¿por qué este hombre parece verdaderamente convencido de que debe seguir sirviendo a sus hermanos? ¿merece ese esfuerzo la pena?". Lo cierto es que de lo más hondo nos sale respondernos que no y asistimos atónitos a la manera consciente y consecuente con la que el protagonista se enfrenta a su destino.

No es una película amable y resulta difícil llegar al final sin sentirte revuelto por dentro, pero seguro que no os deja indiferentes. Huye de clichés y de buenismos y plantea con crudeza temas como la sexualidad, la hipocresía, la vocación, el amor, el odio... Para pensar. Muy recomendable.

"El Niño", de Daniel Monzón

   

Dirección: Daniel Monzón. 

Países: España y Francia. 

Año: 2014. 

Duración: 130 min.

Género: Thriller.

Interpretación: Luis Tosar (Jesús), Jesús Castro (El Niño), Sergi López (Vicente), Ian McShane (El Inglés), Bárbara Lennie (Eva), Eduard Fernández (Sergio), Jesús Carroza (El Compi), Said Chatiby (Halil), Mariam Bachir (Amina). 

Guion: Jorge Guerricaechevarría y Daniel Monzón. 

Producción: Álvaro Augustin, Ghislain Barrois, Javier Ugarte y Edmon Roch. 

Música: Roque Baños. 

Fotografía: Carles Gusi. 

Montaje: Mapa Pastor. 

Dirección artística:Antón Laguna. 

Vestuario: Tatiana Hernández. 

Distribuidora: Hispano Foxfilm. 

Estreno en España: 29 Agosto 2014. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: 

Frontera sur de Europa. Dos continentes, tres países, 14 kilómetros… tierra de contrabando. Desafiando la autoridad de los capos locales, tres chavales de apenas 20 años deciden montárselo por su cuenta y se introducen en el mundo del narcotráfico casi como un juego. Es mucho dinero al alcance de quien tenga el valor de atravesar la distancia casi inexistente entre España y África volando sobre las olas en una lancha cargada de hachís y con la policía pisándote los talones.

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Estupendo thriller de Daniel Monzón, que cuenta que cuando en festivales internacionales le preguntaban por el presupuesto de 'El Niño' y contestaba "seis millones de euros", su interlocutor se reía y pensaba que no había entendido la pregunta inglés. Dicen que la película es una de las más ambiciosa del año en España y desde luego lo parece: hay persecuciones, lanchas, helicópteros, cerca de 200 localizaciones, 11 semanas de rodaje, dos en alta mar, y un extraordinario grupo de actores. Algo así en Hollywood supondría muchos más millones. De hecho, parece ser que una productora le ofreció a Monzón 30 millones de dólares si la rodaba en inglés, pero él se negó porque "quería reflejar la esencia del tráfico de drogas en el Estrecho".  

De momento el público ha respondido y la película tiene 16 nominaciones a los premios Goya, muy cerca de las 17 de "La isla mínima". Personalmente me ha gustado mucho más "El niño" que esta última por la consistencia del relato, la trama sólida, una narrativa que avanza sin dejar cabos sueltos y que no cae en el truco simple de dejar zonas oscuras "para que el espectador se haga preguntas" (¿en esos casos no será que no hay nada que preguntar?).

Luis Tosar, Eduard Fernández y Sergi López están estupendos, como también lo está Bárbara Lennie, aunque su papel esté muy poco desarrollado en favor de la historia de amor del otro protagonista, la del Niño y Amina, mucho más comercial, pero menos interesante que la relación entre los dos policías que se enfrentan a la trama de contrabando del Estrecho. En cuanto a los actores revelación, me quedo con Jesús Carroza (El Compi) y Said Chatiby (Halil), antes que con Jesús Castro, que será muy guapo pero se pasa toda la película con la misma cara impasible.

Una película muy entretenida y muy bien hecha. Os la recomiendo.

"La isla mínima", de Alberto Rodríguez

Dirección: Alberto Rodríguez. 

País: España. 

Año: 2014. 

Duración: 105 min. 

Género: Thriller, policiaco. 

Interpretación: Raúl Arévalo (Pedro), Javier Gutiérrez (Juan), Antonio de la Torre (Rodrigo), Nerea Barros (Rocío), Jesús Castro (Quini), Salva Reina (Jesús), Manolo Solo (periodista), Jesús Carroza. 

Guion: Rafael Cobos y Alberto Rodríguez. Producción: Mercedes Gamero, José Antonio Félez, Mikel Lejarza, José Sánchez Montes y Mercedes Cantero. 

Música: Julio de la Rosa. 

Fotografía: Alex Catalán. 

Montaje: José M.G. Moyano. 

Vestuario: Fernando García. 

Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. 

Estreno en España: 26 Septiembre 2014.

Trailer

Sinopsis:

1980. En un pequeño pueblo de las marismas del Guadalquivir, olvidado y detenido en el tiempo, dos adolescentes son encontradas muertas. Desde Madrid envían a dos detectives de homicidios, Pedro y Juan, de perfiles y métodos muy diferentes que, por distintos motivos, no atraviesan su mejor momento en el cuerpo policial. Nada es lo que parece en una comunidad aislada, opaca y plegada sobre sí misma. Las pesquisas de los detectives parecen no llevar a ningún lado. En este difícil proceso, Juan y Pedro deberán enfrentarse a sus propios miedos, a su pasado y a su futuro. Su relación se irá estrechando y sus métodos se harán parecidos. Lo único importante es dar con el asesino.

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Excelentes interpretaciones protagonistas y de algunos actores de reparto, maravillosa fotografía y una música perfectamente adaptada a la trama y a la estética de la película; por lo demás, no me ha parecido tan maravillosa como la ponen la mayoría de las críticas. Y es que los guiones oscuros que dejan aspectos a medio contar no acaban de satisfacerme. ¿Que los tiempos y paisajes humanos que refleja la película sean duros y axfisiantes son excusa para que el espectador tenga que adivinar tan a menudo dónde están los protagonistas, por qué han ido allí, quién es ese que se ve a medias, qué quieren decir exactamente...? Intentar sembrar dudas a lo largo del metraje puede ser un buen recurso cinematográfico, pero dejarte sin que te enteres de qué va el final creo que es un vulgar truco para crear apariencia de profundidad en la historia.

Sí, la trama es interesante, y las subtramas también, pero todo me parece solo medio hilvanado y en ocasiones de desarrollo excesivamente lento. Creo que el metraje resulta demasiado largo para lo que se cuenta. Y al final, no pude evitar tener la sensación de que me faltaba algo: la relación entre los culpables no aparecía clara y la de los policías protagonistas tampoco. 

Por último, ¿soy la única a la que Nerea Barros le parece una elección completamente inadecuada para ser la madre de las niñas asesinadas? No dudo de su calidad como intérprete, pero resulta demasiado hermosa e incluso sofisticada, pese a peinado, maquillaje y vestuario, para las características de ese personaje.

"The imitation game" ("Descifrando Enigma"), de Morten Tyldum

Película: The imitation game (Descifrando Enigma). 

Dirección: Morten Tyldum.

Países: Reino Unido y USA. 

Año: 2014. 

Duración: 114 min. 

Género: Biopic, drama, thriller. 

Interpretación: Benedict Cumberbatch (Alan Turing), Keira Knightley (Joan), Matthew Goode (Hugh), Mark Strong (Stewart), Allen Leech (John), Charles Dance (Denniston), Rory Kinnear (detective Robert). 

Guion: Graham Moore. 

Producción: Nora Grossman, Ido Ostrowsky y Teddy Schwarzman. 

Música: Alexandre Desplat. 

Fotografía: Óscar Faura. 

Montaje: William Goldenberg. 

Diseño de producción: Maria Djurkovic.

Vestuario: Sammy Sheldon Differ. 

Distribuidora: Tripictures. 

Estreno en España: 1 Enero 2015. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis:

Durante el invierno de 1952, las autoridades británicas entraron en el hogar del matemático, analista y héroe de guerra Alan Turing, con la intención de investigar la denuncia de un robo. Al final acabaron arrestando a Turing acusándole de “indecencia grave”, un cargo que le supondría una devastadora condena por una ofensa criminal: ser homosexual. Los oficiales no tenían ni idea de que en realidad estaban incriminando al pionero de la informática actual. Liderando a un heterogéneo grupo de académicos, lingüistas, campeones de ajedrez y oficiales de inteligencia, se le conoce por haber descifrado el código de la inquebrantable máquina Enigma de los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial.

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Espléndida actuación de Benedict Cumberbatch (muchos dicen que merecedora de un Óscar) y muy emocionante relato de un momento histórico y de una vida marcada por el dolor y la conciencia de ser distinto y no aceptado. Algunos la acusan de pasar muy de puntillas por los aspectos más polémicos de la vida de Alan Turing y resultar un relato demasiado amable y centrado en lo más efectista... A mí sí que me ha resultado emocionante y creo que la película acierta en sugerir más que en mostrar descarnadamente el dolor de una vida diferente a la de la mayoría y consciente de ser casi único, la soledad constante y la injusticia del no reconocimiento de los méritos extraordinarios de una persona. El suicidio de Turing, especialmente dramático pues comió una manzana envenenada, solo se nos cuenta, pero toda la película anterior  se ha centrado tanto en él como en su gran logro personal, el desciframiento de Enigma y el gran avance en la construcción de una máquina "pensante", precursora de los ordenadores actuales. 

No conocía nada de la historia de este hombre y sabía de Enigma lo poco que había escuchado en algún relato sobre la Segunda Guerra Mundial, pero muy superficialmente. La película me ha servido para recuperar una parte de la historia del siglo XX desde una perspectiva diferente y creo que eso está muy bien conseguido: las escenas de la guerra son escasas, pero  bien dosificadas y combinadas con las escenas del sufrimiento de los civiles en las ciudades bombardeadas.  Se nos plantean también sobriamente pero con efecto los dilemas morales que  tuvieron que enfrentar quienes luchaban por ganar la guerra, las decisiones difíciles que tuvieron que afrontar, los entramados de espionaje existentes y tan fundamentales o más que las batallas propiamente dichas... Podrás estar de acuerdo o no con lo que hicieron, pero esa no es la cuestión, la cuestión es entender los múltiples aspectos, el trabajo, las decisiones, las luchas y los fracasos que hay detrás de los hechos que hoy leemos como acontecimientos históricos recogidos en los libros de historias, pero que implicaron a muchas personas de carne y hueso y cambiaron para siempre sus vidas. Seguramente muchos esperaban más y tendrán razón si consideran que el resultado es mejorable, pero a mí me ha sugerido mucho, me ha hecho pensar y, sobre todo, me ha entretenido.

Como curiosidad os cuento que dicen que Steve Jacobs eligió su logo de la manzana y la marca Apple para su empresa en homenaje a Alan Turing, precursor de la informática. Probablemente es una leyenda sin fundamento, pero pensar en ello es una pequeña forma de hacer justicia a la memoria de un hombre que hizo mucho y que no recibió ningún reconocimiento en vida por ello. Resulta patético descubrir que no recibió un indulto póstumo hasta 2013.

Muy recomendable.

"Magia a la luz de la luna", de Woody Allen

Película: Magia a la luz de la Luna.

Título original: Magic in the moonlight. 

Dirección y guion: Woody Allen. 

País: USA. 

Año: 2014.

Duración: 98 min. 

Género: Comedia romántica. 

Interpretación: Colin Firth (Stanley), Emma Stone (Sophie), Marcia Gay Harden (Sra. Baker), Jacki Weaver (Grace Catledge), Eileen Atkins (tía Vanessa), Hamish Linklater (Brice Catledge), Simon McBurney (Howard Burkan), Catherine McCormack (Olivia). 

Producción: Letty Aronson, Edward Walson y Stephen Tenenbaum.

Fotografía: Darius Khondji. 

Diseño de producción: Anne Seibel. 

Vestuario: Sonia Grande.

Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. 

Estreno en España: 5 Diciembre 2014. 

Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis:

El mago chino Wei Ling Soo es uno de los más populares de su época, pero poca gente sabe que en realidad es Stanley Crawford, un personaje gruñón y arrogante con el ego por las nubes que siente verdadera aversión por los falsos espiritistas que afirman poder hacer magia de verdad. ¿Será capaz de desenmascarar a la joven vidente Sophie Baker?

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Comedia romántica y amable de Woody Allen con su dosis de reflexión sobre la vida y el típico personaje cínico y un tanto neurótico al que nos tiene acostumbrados.

La película no tiene nada extraordinario como historia, aunque desde luego música y fotografía son espectaculares y la interpretación de Colin Firth es también genial (os la recomiendo en versión original para disfrutarla). Por lo demás, se trata de una trama entretenida y con cierta sorpresa final (al menos para mí), que discurre en un marco señorial y con encanto (esos años veinte de la alta sociedad...), con personajes peculiares, diálogos rápidos y ocurrentes y una buena dosis de optimismo, lo cual no viene mal en los tiempos que corren. 

No es ciertamente de lo mejor de Woody Allen, pero deja un buen sabor de boca y me ha gustado mucho más que alguna de las últimas que he visto (que no han sido todas, no puedo seguirle el ritmo a este hombre), como "Conocerás al hombre de tus sueños".

Que la disfrutéis.

"Relatos salvajes", de Damián Szifron

Película: Relatos salvajes. 

Dirección y guion: Damián Szifron.

Países: Argentina y España. 

Año: 2014. 

Duración: 122 min. 

Género: Comedia negra. 

Interpretación: Ricardo Darín (Simón), Óscar Martínez (Mauricio), Darío Grandinetti (Salgado), Rita Cortese (cocinera), Julieta Zylberberg (moza), Érica Rivas(Romina), Leonardo Sbaraglia (Diego). 

Producción: Hugo Sigman, Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar, Matias Mosteirin y Esther García. 

Música: Gustavo Santaolalla. 

Fotografía: Javier Juliá. 

Montaje: Damián Szifron y Pablo Barbieri. 

Diseño de producción: Clara Notari.Vestuario: Ruth Fischerman. 

Distribuidora: Warner Bros. Pictures Intenational España. 

Estreno en España: 17 Octubre 2014.

Sinopsis:

La desigualdad, la injusticia y la exigencia del mundo en que vivimos producen que muchas personas se estresen o se depriman. Algunas de ellas explotan. Esta es una película sobre ellos. Vulnerables ante una realidad que súbitamente se altera y se torna impredecible, los personajes de “Relatos salvajes” cruzan la delgada frontera que divide la civilización de la barbarie. Una traición amorosa, el retorno de un pasado reprimido, o la violencia contenida en un detalle cotidiano, se presentan para impulsarles al vértigo de perder los estribos, al innegable placer de perder el control.

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Aquí tenéis algunos datos de la wikipedia sobre la película: fue seleccionada para la Palma de Oro en la principal sección de competición del Festival de Cannes 2014, en la cual fue ampliamente aclamada. Será la candidata Argentina para participar en los Premios Óscar de 2014 en la categoría a Mejor película extranjera y en los Premios Goya a Mejor película Iberoamericana. Con 449.292 espectadores se convirtió en el film argentino más visto en la historia durante su primer fin de semana de exhibición. También se convirtió en la película más taquillera de la historia del cine argentino al menos desde que existen registros confiables en la industria (1997) alcanzando los 3 millones de espectadores sólo en Argentina. Se estrenará en Estados Unidos el 20 de febrero de 2015., distribuida por Sony Pictures Classic, quienes también se encargarán de realizar la campaña necesaria para lograr dicha nominación en la próxima edición de los premios de la academia. 

¿Qué más os puedo contar? Consta de seis episodios que alternan la intriga, la comedia y la violencia. Se inspira en los ‘Cuentos asombrosos‘ (1985-1987), serie de televisión creada y producida por Steven Spielberg y ha sido escrita y dirigida por Damián Szifron, director del que pensaba que no conocía nada y resulta que sí: dirigió la serie "Hermanos y detectives", que tuvo creo que tres temporadas y un éxito escaso, aunque a mí me gustó bastante (desgraciadamente para mí, las series que más me gustan son las que suelen durar menos en pantalla o las que cambian de horario sin ninguna consideración a los telespectadores).

Pasé un rato realmente extraordinario mientras la veía. Pensaba que el hecho de que fueran seis relatos absolutamente independientes iba a ser algo negativo, pero la verdad es que casi ni me enteré. Cuando acababa cada historia estaba tan asombrada (alucinada, boquiabierta a veces, sin saber si reír o llorar en algún momento, muerta de risa en alguna ocasión) que me introducía como en un sueño en la historia siguiente y quedaba de nuevo atrapada en la red de la narración siguiente.

No os voy a engañar, hay escenas que hacen honor al título de la película: algunas por su violencia explícita, otras por la reacción tan exagerada y su absoluto desprecio por los términos medios, la contención o la mesura, pero todas te resultan tan plausibles que incluso en algunos casos puedes identificarte con el personaje o la situación tanto como para saber cómo va a reaccionar y aceptarlo casi como natural; "lo va a matar", piensas, o "éste se va a enterar", no es probablemente (espero) lo que tú harías, pero es que te lo pide el cuerpo ante lo que está pasando delante de tus ojos...

Y pese  a todo, pese al tema de la venganza, a la exposición ante nuestros ojos de la traición, la corrupción, la respuesta violenta a los problemas cotidianos... pese a todo no sales amargado del cine, sino más bien contento, porque te has reído de situaciones más bien terribles que te han contado de forma inteligente y sugerente. Inteligencia y sentido del humor (eso sí, muy, muy negro), pensar y reír, combinaciones que se repiten poco en nuestras actividades diarias, así que hay que aprovechar oportunidades como esta. No os la perdáis.

"La ladrona de libros", de Brian Percival

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Título original: The book thief. 

Dirección: Brian Percival. 

Países: USA y Alemania. 

Año: 2013.

Duración: 131 min. 

Género: Drama, bélico.

Interpretación: Geoffrey Rush (Hans Hubermann), Emily Watson (Rosa Hubermann), Sophie Nélisse (Liesel), Ben Schnetzer (Max), Nico Liersch (Rudy). 

Guion: Michael Petroni; basado en la novela de Markus Zusak.

Producción: Karen Rosenfelt y Ken Blancato.

Música: John Williams. 

Fotografía: Florian Ballhaus. 

Montaje: John Wilson.

 Diseño de producción: Simon Elliott. 

Vestuario: Anne B. Sheppard.

Distribuidora: Hispano Foxfilm. 

Estreno en USA: 8 Noviembre 2013. 

Estreno en España: 10 Enero 2014. 

Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis:

“La ladrona de libros”, basada en la novela superventas de Markus Zusak, relata la historia de Liesel, una joven que es acogida por una familia en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial. Sus integrantes, que ocultan a un judío en su hogar, le enseñan a leer. Para Liesel, el poder de las palabras y de la imaginación se convierte en una forma de escapar de los tumultuosos eventos que la rodean.

Trailer

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Cuando acabé de ver esta película pensé que seguro que el libro era mejor, de hecho, me apetece mucho leerlo, aunque tengo tantos pendientes que no sé si le llegará el turno... La película en sí me pareció sosa y plana, como un mero ejercicio de redacción sin emoción. Nos cuenta la historia de Liesel desde el preludio de la Segunda Guerra Mundial hasta el final de la misma, le pasan cosas terribles y, como poco, muy duras y, sin embargo, yo no sentí la menor emoción. Quizás lo único que me hizo sufrir de verdad un poco fueron las primeras escenas, con su hermanito muerto en los brazos de su madre, pero a partir de ahí todo me dejó bastante fría. No creo que haya que echarle la culpa a los actores porque Geoffrey Rush, Emily Watson y Sophie Nélisse tienen una actuación más que aceptable, así que supongo que será culpa del director, que no consigue transmitir auténticas emociones y va enlazando escenas que relatan, supongo, pues no lo he leído, el contenido del libro en el que se basa el guión pero sin llegar a impregnarnos con el miedo a la guerra, el temor a que los seres queridos no vuelvan del frente, el dolor de la mujer del alcalde por la muerte de su hijo, la maldad de Franz, el niño abusón y pronazi... todo resulta un poco hueco y lo peor, las escenas finales, que deberían ser las más dramáticas y que se quedan en una mera exposición de los hechos. No os las voy a contar por no destriparos el final a los que no conozcáis la historia, pero no me ha gustado nada cómo nos las han contado.

Por último, el planteamiento del narrador de la historia, que es la muerte, me ha resultado de lo más chocante. ¿Alguien sabe si el libro también está así contado? Si es así, no me imagino qué tal funciona literariamente, quizás sea un buen recurso dramático si está bien utilizado, pero en la película queda bastante postizo, o al menos a mí me lo parece.

En fin, que con lo caro que es el cine yo os diría que esperéis a que la pongan en la tele.

"La gran familia española", de Daniel Sánchez Arévalo

Dirección y guion: Daniel Sánchez Arévalo. 

País: España.

Año: 2013. 

Duración: 101 min. 

Género: Comedia. 

Interpretación: Antonio de la Torre (Adán), Quim Gutiérrez (Caleb), Verónica Echegui (Cris), Miquel Fernández (Daniel), Patrick Criado (Efraín), Roberto Álamo (Benjamín), Sandra Martín (Mónica), Arancha Martí (Carla), Héctor Colomé (padre). 

Producción: José Antonio Félez, Fernando Bovaira, Mercedes Gamero y Mikel Lejarza. 

Música: Josh Rouse.

Fotografía: Juan Carlos Gómez. 

Montaje: Nacho Ruiz Capillas. 

Dirección artística: Satur Idarreta. 

Vestuario: Tatiana Hernández. 

Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Estreno en España: 13 Septiembre 2013.

Sinopsis:

"¿Quién iba a imaginar que España llegaría a la final?", es el razonamiento que usa Efraín para aplacar los encendidos ánimos de sus hermanos por haber elegido casarse el día en el que por fin la selección española de fútbol puede alcanzar la gloria y dejar atrás décadas de falsas esperanzas y frustraciones. 

"La Gran Familia" es una comedia dramática acerca de una boda que transcurre durante la final del Mundial de fútbol de Sudáfrica. Ese día de catarsis colectiva, mientras el país se paralizaba, una familia compuesta por cinco hermanos con nombres bíblicos: Adán, Benjamín, Caleb, Daniel y Efraín, también se va a enfrentar al partido más importante de su vida. ¿Serán capaces de ganar? ¿Vale ganar de cualquier manera? ¿Se puede perder con dignidad? ¿Hay que jugar al ataque o es mejor defenderse y jugar al contragolpe? 

El novio, Efraín, con sus recién cumplidos dieciocho años, es el menor de sus cinco hermanos, y representa la España vencedora, la que no tiene complejos, la del desparpajo, la del tiki-taka, la que se siente capaz de todo, frente a sus hermanos, que son un claro exponente de la España que se estanca en cuartos de final, la de los desengaños, la de las inseguridades, la de los miedos.

Y es que en la vida, como en el fútbol, la fórmula para alcanzar el éxito es una mezcla de estrategias, decisiones, ganas, ilusión, entereza, empuje, y claro está, un poquito de suerte.

Trailer

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Me ha gustado esta película ganadora de dos premios Goya, uno a la mejor canción original ("Do you really want to be in love?", de Josh Rouse) y otro al mejor actor de reparto (estupenda interpretación del versátil Roberto Álamo).  Me ha gustado por su tono de comedia (después de otras historias más serias como "La ladrona de libros", de la que luego os pongo la reseña, necesitaba algo más divertido), pero también por las sorpresas de su guión que incluye elementos dramáticos que el espectador no esperaba.

La empecé a ver esperando simplemente una comedia más que aprovecha el tema de la boda y la consiguiente reunión familiar, unido ello a la coincidencia con la final del mundial de fútbol de 2010, para plantear situaciones divertidas, y me sorprendió prácticamente desde el principio con la historia de la declaración de amor del hermano pequeño de esta peculiar familia, precisamente el que se va a casar, las diferentes personalidades de los hermanos y los momentos dramáticos que se viven ya prácticamente desde el principio, con un desarrollo que va planteando al espectador giros inesperados y nuevos datos sobre los personajes que, sin abandonar el tono de humor, presentan situaciones de crisis y tensión que en otro tipo de película podrían haber generado un auténtico drama. 

No es que sea una película genial y supongo que tiene sus fallos, pero me hizo pasar un buen rato, me pareció original, divertida y con cierta profundidad pese a su tono aparentemente intrascendente. Y bien interpretada. Me gustaron especialmente Roberto Álamo y Antonio de la Torre y no tanto Patrick Criado (al menos no como para nominarlo a un Goya). 

Os la recomiendo.